同样是传统艺术为什么日本的审美总是阴森负面而中国的却清新美丽恢宏正气

无论是什么艺术审美过程就是作为欣赏者本位的人与被欣赏者的一种情感交流。可感动的作品很多，推荐我的团长我的团给你去感受审美特征。

艺术审美是一种积极主动的价值取向活动或者说价值实现活动，是对美的事物和现象的观察、感知、联系、想象，乃至理解、判断等一系列思维活动，其内涵是领会事物或艺术品的美。美术大致分为：国画，油画，版画，雕塑，壁画，艺术设计。
国画分为：写意山水，写意花鸟，写意人物，工笔花鸟，工笔人物。
油画分为：传统油画或古典油画，现代油画。
版画分为：木版画，铜版画，摄影，丝网印刷。
雕塑分为：写实雕塑，抽象雕塑。
壁画分为：工艺壁画，传统壁画。
艺术设计分为：环境艺术设计，平面艺术设计，展示艺术设计，装潢艺术设计等
美术，“美术”这个专门名词，在中国的“五·四”新文化运动中开始被文艺家和教育家普遍运用。它源于古罗马的拉丁文“art”，原义是指相对于“自然造化”的“人工技艺”，泛指各种用手工制作的艺术品以及文学、戏剧、音乐等，广义的还包括拳术、魔术、医学等。中国古代所谓“百工技艺”，也是包括同样广泛的范围。在古代，无论东方或西方，都只有“工艺”、“手艺”这样的概念。在中国古籍中只有“绘缋之事”、“刻削之道”、“刻镂之术”、“锦绣文采”等工艺术语的运用，却未见类似“美术”这样的专门名词，这是因为人类的美感意识，是首先从满足生存需求的工艺品萌生的。

艺术审美是一种积极主动的价值取向活动或者说价值实现活动，是对美的事物和现象的观察、感知、联系、想象，乃至理解、判断等一系列思维活动，其内涵是领会事物或艺术品的美。美术大致分为：国画，油画，版画，雕塑，壁画，艺术设计。
国画分为：写意山水，写意花鸟，写意人物，工笔花鸟，工笔人物。
油画分为：传统油画或古典油画，现代油画。
版画分为：木版画，铜版画，摄影，丝网印刷。
雕塑分为：写实雕塑，抽象雕塑。
壁画分为：工艺壁画，传统壁画。
艺术设计分为：环境艺术设计，平面艺术设计，展示艺术设计，装潢艺术设计等
美术，“美术”这个专门名词，在中国的“五·四”新文化运动中开始被文艺家和教育家普遍运用。它源于古罗马的拉丁文“art”，原义是指相对于“自然造化”的“人工技艺”，泛指各种用手工制作的艺术品以及文学、戏剧、音乐等，广义的还包括拳术、魔术、医学等。中国古代所谓“百工技艺”，也是包括同样广泛的范围。在古代，无论东方或西方，都只有“工艺”、“手艺”这样的概念。在中国古籍中只有“绘缋之事”、“刻削之道”、“刻镂之术”、“锦绣文采”等工艺术语的运用，却未见类似“美术”这样的专门名词，这是因为人类的美感意识，是首先从满足生存需求的工艺品萌生的。
在欧洲，“艺术”和“美术”这两个概念，直到文艺复兴之际才确立并被公认。那时人们开始意识到创造纯粹精神领域的产物，更足以使人激昂精神、开阔胸怀，达到互相同情、增强意志、建立信念的目的。这类思想意识的活动，是人文主义发展的一种重要表现，是人的主体意识的发扬，它涉及到艺术的不同领域和形态，这就是我们现在已经大规模扩展开来的文学、艺术各门类，其中包括美术。这种精神产品，从物质中提升，和物质相辅而行，成为全面滋养人们心灵所不可缺少的营养。人类依靠它陶冶情怀，并协同各门类的科学认识世界，普及教育，开拓文明。它起着组织和协调社会成员的意志和行为的作用。文明的发展是和艺术创造分不开的，艺术是精神文明的重要而鲜明的标志之一。
在欧美拉丁语系国家，“art”既作“艺术”解，又作“美术”解。蔡元培早期运用“美术”这个术语时，也包括诗歌和音乐。其后，中国的文艺界、教育界把“美术”和“艺术”的概念逐渐区分开来。“艺术”是一切艺术门类的总称，它是用不同的形象化手段来反映自然和表达社会意识的一门大学科，广义上包罗文学、音乐等，也包括建筑和园林等。综合性艺术有戏剧、电影、曲艺、杂技等，它们不同程度地利用美术，有的和美术密切结合。“美术”作为“艺术”的一个门类，必然与姊妹艺术有共性，但它的艺术形态具有鲜明的特征。它和姊妹艺术结合时，极大地丰富了艺术表现力，在一定的社会发展条件下，美术甚至可以和科技相结合，派生出艺术新品种。
人类在创造精神产品时，自然地分门别类，建立起文学艺术的各个分支，使之朝着专门化的方向前进，形成了各种艺术门类的独特性能。它们在许多场合虽分犹连，有时则分而复合。每一次的结合和交融（如动画电影、音乐喷泉），便产生艺术的新意向、新品种和相应的艺术感染力。艺术的分化和复合都是一种发展，在发展中开拓了对艺术的认识，更新了艺术的观念。其所以有分有合，分而不悖，合而能容，是因为各种艺术品类都受共同的美学原则的支配，有共通的规律可循。
此外，如果从审美和美育的角度谈“美”的问题，“美”这个字眼在汉语中的含义非常广泛，不但概括着整个文艺范畴，而且还介入伦理、哲学等领域。
美术的形态和特性
古今中外的美术品类丰富多彩，形态各异，千变万化。现代美术因受科技和工业生产的影响，新思潮不断涌现，前所未见的新样式、新品种层出不穷。美术要求发展个性，发展的总趋势是走向多元化，所以对它的共同特征难于作条理明晰的概述。
世界上的美术品类，按物质材料和制作方法来区分，大体上可分为绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术等几个大门类。绘画的品种又可分为中国画、油画、版画、水彩画、 水粉画、粉笔画、 丙烯画以及多种塑料和化学颜料的画种。版画品种又可分为木版、麻胶版、金属版(铜或铅)、石版、网版等。木刻的印刷材料有油墨、油画颜料套色和水色套印之分。金属版有腐蚀、干刻之分。油画有有光术、无光术之分。欧洲最古老的蛋彩画和中国古老的矿物质颜料，至今保持着色泽历久不变和技法运用上得心应手的优点。油画和版画在20世纪已成为世界性画种，从表现形态来看，在许多文明国家中，版画已显现出民族和地区的特点。现代油画和雕塑的开拓创新，步子最快，形态变化最大。
绘画按样式可分为壁画（按物质材料又可分为湿壁画、描金沥粉、磨石嵌、有色水泥及木材、玻璃、金属板的拼镶等。无光油画、丙烯以及其他塑料颜料也被普遍运用）、细密画、磨漆画、漆画、年画（运用木刻水印、水粉、水彩等方法)、连环画、 宣传画、漫画（卡通）、插图等。
中国画又可按艺术技巧分为工笔重彩和水墨写意两大系统；按题材样式又可分为人物画、 山水画、 花卉、草虫、翎毛（禽鸟走兽）、鳞介（鱼贝类）等画科。日本的绘画受其影响很深。书法和篆刻一向是中国画的姊妹艺术而自成系统，也在日本广为流传。书法艺术在当代被认为是一种抽象艺术。
雕塑的品种可分为石材雕塑（大理石、花岗石等），金属雕塑（包括铸铜、不锈钢、铅、镍、铝等），玻璃钢及塑料、白水泥等雕塑。按体裁、形制又可分为圆雕、浮雕（有高、低之分）、纪念碑雕塑、人物雕塑、动物雕塑、装饰雕塑、民间彩塑等。现在有直接从人体翻制后再作加工的等身大的彩塑，有利用电和光效应原理产生颤动美感的“效应雕塑”，这两种雕塑可说是写实形态和抽象形态的两个极端。
工艺美术(又称实用美术)的品种最为丰富多彩，大的分类有金工、木工、漆工、陶瓷、彩塑、玉雕、牙雕、景泰蓝、珐琅、料器、染织、刺绣、编织等。各国各地区的特种工艺，大多数源于民间手工艺，它有雅俗共赏的特点，与人民群众有密切联系。
设计的门类有书籍装帧、广告、 商品包装、服装、家具、工业产品设计、室内装璜、环境美术（庭院、园林及建筑群体美术）等。设计也包括图案、字体及利用摄影与电子计算机进行设计的科技性美术。
就美术创造的形象化手段来说，造型性是重要的形态特征之一。所以又称为造型艺术。如绘画通过描画彩绘的手段，雕塑通过塑造、刻镂的手段，建筑艺术通过间架营造的手段，工艺美术通过镂、蚀、切、削的手段等。造型的含义很广，有立体造型，也有平面造型；有色彩造型，也有黑白造型。造型这个概念是不断变化、发展的，在现代观念中，既有具象形式的造型美，也有抽象形式的造型美。大体上，西方的美术，其发展的轨迹以形体块面的造型为主，线的运用是附属于形体块面的；而中国的美术，线描造型却占着重要的地位，形体是通过线描来体现的。所以西方常用“塑造”这个术语来描述绘画性造型，而且推崇在绘画中体现雕塑性。中国的美术正相反，线的描绘统率着造型，即使在雕塑艺术中，线的作用也占主导的地位；形体块面在中国雕塑上表现得概括浑成，它通过线条的刻画而完成造型的任务。
美术又称空间艺术。西方的美术传统，基本上按物理学的观念，把长度、高度和深度称作“三维空间”。存在于现实空间的有纵深感的三维美，是雕塑和建筑之类立体造型形象产生生命和力度感的重要依据。在平面上表现三维美，是再现性具象绘画的真实感所不可缺少的重要依据之一。空间艺术，通常被认为是一种不可能或不长于表现时间性的、凭借视觉来创作和感受的艺术。它的特点是长于具体描绘，塑造和刻画生活中或想像中的事物或情景，有明显的再现性和描摹性，它不随时光的流逝而消失，除非受到外力的破坏和本身的朽蚀，可长期存在于世上。空间艺术在创作上也有弱点，特别对情节性绘画和雕塑造成了局限，例如独幅画只能表现一个瞬间的形象，这就难于从纵向展开事物和情节的发展。然而，正因有此局限，绘画创作便朝着形象的深层开掘，追求造型的凝练和运动感的凝聚，从而形成了绘画所独具的魅力。绘画和雕塑的构图，常选择人物动作过程中某一生发性的瞬间，以加强力度感，并在欣赏心理上，造成动作起迄的越进效应，如画射箭引而不发，使空间艺术产生时间感觉，中西绘画和雕塑中都有这样的例子。凝练的人物形象之醇厚和深刻，决不是瞬间印象所能摄取的；空间艺术形象的凝练和凝聚也意味着时间的浓缩。
在中国的传统美术理论中，对空间观念有不同的阐说，宋代郭熙所说的“山有三远：自山下而仰山巅，谓之高远;自山前而窥山后，谓之深远;自近山而望远山，谓之平远。”这不单是单纯的物理空间观，而是置身天地间的诗意般的空间概念，也就是有回旋余地的“神游”意境。中国画论倡导时空的统一观，它以有限的画面，表达无限的空间意象；相应地又以散点透视法代替焦点透视法（虽然南朝宋人宗炳早在公元 5世纪已经发现了物理透视原理），这是在中国文化背景中形成的视觉心理空间，即所谓“心视”。这种审美观在19世纪末受到西方的重视，提出在美术上打破时空界限，以拓展表现功能。
美术又称为视觉艺术，这是从审美主体与对象之间的感知媒介主要是视觉来说的。造型艺术被人们感知的时候，一般通过视觉渠道（除了一些工艺品可通过手的摩挲，用触觉加强审美体验外）。视觉艺术这个界定，涵盖面很广，凡是主要通过视觉媒介完成欣赏的一切可视的艺术门类、样式、形式或符号，都可包涵在内。至于可视的综合性艺术如戏剧、舞蹈和通过视觉阅读的文学作品等，自然不在此列，因为它们的被感知，还要而且主要是通过行为和动作（表演）、语言和文字以及其他各种感觉渠道。
美术还被区分为纯美术和工艺美术两大系统。所谓纯美术（fine art），是指纯粹精神性、欣赏性的绘画、雕刻、音乐等，有时也包括诗歌。蔡元培曾把它称为文艺美术，指明其中凝结着社会文化意识和审美意识，以区别于实用功能与审美意识相结合的工艺美术。文艺美术的提法比纯美术妥贴，因为“纯”的意义不太明白，如果是指纯属欣赏性的美术，那么工艺美术中也是有的，而所谓“纯美术”中，也并不都是纯属欣赏性的。然而，纯美术这个词汇已经用惯，虽然它和外文的原意并不符合。
设计（design）是20世纪中叶兴起的一门美术学科，虽然它并不是新名词，而且早已被运用在建筑艺术和工艺美术上。在建筑和工业设计中，决定大局的是形体块面的空间设计，其次是局部性的门窗、墙面、各项部件的装璜等设计。在工艺美术中，有形体、纹样等设计。绘画作品的构图，实际上是整体结构设计；在一定形式的图像中，都有线、形、色、块等平面设计；在雕塑中，最重要的是形的空间设计。现代的设计，首先在商品包装、家具、室内装璜等方面发展起来，然后从轻工业产品扩展到重工业产品，如汽车、轮船和飞机等造型设计。许多工业产品的设计是和科学技术密切结合在一起的。设计现已渗入到整个美术领域，成为一项重要的造型学科，设计思想和设计技术极大地影响着美术品的艺术魅力。
设计是一种研究用点、线、面、体、光、 色、 质、材及一切造型因素构成种种美好形象和感觉，并把它运用到各种美术创作上去的学科。简言之，设计是研究造型构成的学问，其中主要的对象是研究视觉空间，通过空间设计，传达视觉艺术的效应。平面构成、立体构成、室内空间构成、环境空间构成等专业，都是从空间设计的角度来探索美术造型问题的。设计的发展，已经介入纯艺术领域，在近现代的绘画和雕塑中，产生了很大的影响。广义地说，中国画的笔墨、油画的质感和肌理、雕塑和工艺的材料美，都属设计(抽象造型形式)范畴。在有些科技先进国家，已把美术学院改称“美术设计学院”。
“具象美术”和“抽象美术”是20世纪初形成的新名词，虽然这两种形态的美术，自古以来一直存在着，但是只是在现代，抽象美术才得到了大发展。具象泛指表现具体的物象。古今中外的写实主义的美术，都依靠具体可视的形态，通过事物的现象和外部形式，反映事物的本质和内在联系。它基于具象观念，主要运用形象思维的方法，通过对生活中的创作素材进行提炼、概括、集中、夸张等手段，达到典型化审美目的。“抽象”这个词，可以从两个方面去理解。其一，艺术家运用提炼、概括等手段，把生活中的形象进行艺术加工，从而创造艺术形象。这个过程称为艺术抽象，表达着艺术家对客观事物本质的感受。从生活形态到美术形态，无不需要始终贯串这种抽象的形象思维活动。在这里，抽象是“艺术的抽象”。具象和抽象并不相互矛盾，而是统一在艺术形象中的。P.毕加索对“牛”的一系列形象探索，展示了艺术抽象(从具象、半抽象到抽象)的多种变体，从这里又可以看到从“艺术的抽象”走向“抽象的艺术”的某种轨迹。中国现代雕塑家杨冬白创作的《饮水的熊》就是一件较好地寓具象于抽象的作品。这是一种半抽象的美术，作者巧妙地运用了“艺术的抽象”手段，同时又很好地表达了“抽象艺术”的意向。其二，认为抽象和具象是两个相反的意象，抽象是纯意识、纯形式的东西，但是也不绝对排斥与具象相融合，形成形式夸张的、在抽象中隐现出具象性的或者半抽象的美术。
世界上各种派别的抽象主义美术家，对“抽象”的含义抱有各自不同的观念。

一、中国画的艺术特征：
1、中国艺术家认为艺术是生命的反映，从主观上要反映出画家的意，从客观上要表现物象的神，这便是中国的“传神论”和“写意论”。如顾恺之的“传神论”，南齐谢赫的“气韵生动”张彦远的“意存笔先生，画尽意在”等等。
2、古人讲“缘物寄情”表现风景，花鸟，不是简单的再现，而重要的是描写人的感情。中国的花鸟画与外国的花鸟画不同，外国的好象是标本死的没有生命，没有人的感情。
3、中国人画画到一定境界之时思想飞翔，达到了精神上的自由状态，传统已经看遍了，自然也都看遍了，画画的时候什么都不用看，白纸对青天，胸中丘壑，笔底烟霞。 中国艺术家喜欢户外观赏“目识心记”做到“烂熟于心”然后“一挥而就”主张“以形写神”，“不似之似”“得意忘象”“意过于形”“妙在似与不似之间”。
4、在造型方式上，中国画强调线条，强调装饰味道。中国画家力主“书画相通”讲究“以书入画”注重线条的粗细，刚柔，断续，轻重等变化。
5、在色彩运用上，中国画主张随类赋彩，不要求描写具体，物象的绝对真实，也不注意物象在时间中光线的变化，有意加大了色彩与客观现实的距离。有时以墨代色，出现了只用水墨的“水墨画”。
6、在构图安排上，中国艺术要求“造境”主张“意主形从”天人合一，物我两化，物我两忘，神与物游，物为我用。可以用尺幅之纸表现万里江河，也可以画万仞高山，可以画全景，也可以画边角小景，可以画全树，也可画折枝，随意取舍，极其自由。中国画讲究“计白当黑”，讲究艺术的空间，讲究“无画处皆成图画”。
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二、对中国画意境的理解
对"意境"美的普遍关注和仲爱，使得中国画升华为艺术的一种重要的表现形式.。所以,脱离了对"意境"美的多方面探究,中国的绘画就只能停留在技术的或者是对自然的简单模写上。
中国传统绘画主要讲究的是意境美，追求意境的表现是中国传统美学思想的重要组成部分，所以中国传统绘画常以意境美取悦于人。中国传统绘画尤其是中国山水画更是如此，意境是山水画的灵魂。
所谓“意境”，就是超越具体的、有限的物象、事件、场景，进入无限的时间和空间，从而对整个人生、历史、宇宙获得一种哲理性的感受和领悟。
中国传统绘画意境的产生，说到底是画面气与势的营造，笔与墨的经营，实与空的置换，心与物的交融。 中国画的意境，就是画家通过描绘景物表达思想感情所形成的艺术境界。它能使欣赏者通过联想产生共鸣，思想感情受到感染。
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三、三原色、三间色
1、三原色 红、黄、蓝；
2、三间色----橙、绿、紫。
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四、试述西方绘画的主要种类

1古希腊罗马
人类最早的的绘画产生于旧石器时代晚期，这时期的艺术持续约有一万年之久，几乎所有的图画都集中在旧石器时代最后5000年里，即距今1.7万年到1.2万年的吗格德林文化时期，这些被绘制在原始洞窟岩壁上的最古老的图画，气势恢弘，栩栩入生，堪称自然主义杰作。法国拉斯科洞窟和西班牙阿尔塔米拉洞窟的壁画，是其杰出代表。——西方绘画

2、中世纪
中世纪（476—15世纪）的漫长时期，处于古典文明的结束与复兴之间。很多人认为中世纪艺术怪诞、迷惑，甚至贬为丑恶，也有人认为此间艺术丰富，反映出了东方文化，希腊罗马文化及蛮族文化的融合。中世纪基督教占主要地位，于是图画也为之服务。包括五个部分：一.早期基督教绘画（2-5世纪）；二.拜占庭绘画（5-15世纪）；三.蛮族及加洛林文艺复兴；四.罗马式（10-12世纪）；五.哥特式（12-15世纪）。

3、文艺复兴
意大利是文艺复兴的中心地，14-15世纪早期画家乔托、马萨乔等把人文思想与对自然的逼真描绘结合，虽还具呆板僵硬痕迹，却显出了与中世纪不同的现实主义风格。15世纪末到16世纪中叶，画家们再真实与幽雅方面达到了同意，有了达芬奇、米开朗琪罗、拉菲尔“盛期三杰”。提香、乔尔达内等威尼斯画派画家注重光与影的表现，追求享乐主义的情调，产生了深远的影响。1520-1590年的手法主义画家不关心作品内容的表达，而对形式因素予以极大的热情，热衷于表现扭曲的体态、奇特的透视和绚丽的色彩，反映出与文艺复兴的古典审美精神相异的情趣。另外又有尼德兰、德国、法国的文艺复兴绘画也把意大利风格与本土传统融合，创出了自己的绘画风格。

4、17—18世纪
17世纪的西方绘画又开创了一个生气勃勃的新局面。以意大利、德兰德斯、荷兰、西班牙和法国为代表。一般可分为三大类型：一.巴洛克：强烈的动势、戏剧性、光影对比及空间幻觉等特点；二.古典主义和学院派：古典主义强调理性、形式和类型的表现，忽视艺术家的灵性、感性与情趣的表达；三.写实主义：拒绝遵循古典艺术的规范以及“理想美”，也不愿意对自然进行美化，即忠实地描绘自然。18世纪的西方绘画，洛可可风格兴盛一时。与此同时，写实主义也得到发展。洛可可特点：华丽、纤巧、追求雅致、珍奇、轻艳、细腻的感官愉悦。

5、19世纪
此时法国绘画再欧洲起着主导性作用。法国绘画的发展大致分为新古典主义、浪漫主义、写实主义、印象主义、新印象主义和后印象主义等阶段。

6、20世纪
此时出现了众多现代主义的思潮，在艺术理论与观念上与传统绘画分道扬镳。现代主义强调主观情感的抒发，强调艺术的纯粹性及绘画语言自身的价值，他们排斥功利性，对描述性和再现性的因素也不以为然，他们认为最重要的是组织画面结构，表达内在情感，营造神秘梦境。其主要流派有：野兽主义、立体主义、巴黎画派、表现主义、未来主义、维也纳分离派、风格主义、达达主义、形而上画派、超现实主义、至上主义、抽象表现主义、波谱艺术、光效应、新超现实主义、超级写实主义。

中国艺术家认为艺术是生命的反映，从主观上要反映出画家的意，从客观上要表现物象的神，这便是中国的“传神论”和“写意论”，如顾恺之的“传神论”，南齐谢赫的“气韵生动”张彦远的“意存笔先生，画尽意在”等等。古人讲“缘物寄情”表现风景，花鸟，不是简单的再现，而重要的是描写人的感情。中国的花鸟画与外国的花鸟画不同，外国的好象是标本死的没有生命，没有人的感情。 中国人画画到一定境界之时思想飞翔，达到了精神上的自由状态，传统已经看遍了，自然也都看遍了，画画的时候什么都不用看，白纸对青天，胸中丘壑，笔底烟霞。 中国艺术家喜欢户外观赏“目识心记”做到“烂熟于心”然后“一挥而就”主张“以形写神”，“不似之似”“得意忘象”“意过于形”“妙在似与不似之间”。 在造型方式上，中国画强调线条，强调装饰味道。中国画家力主“书画相通”讲究“以书入画”注重线条的粗细，刚柔，断续，轻重等变化。 在色彩运用上，中国画主张随类赋彩，不要求描写具体，物象的绝对真实，也不注意物象在时间中光线的变化，有意加大了色彩与客观现实的距离。有时以墨代色，出现了只用水墨的“水墨画”。
在构图安排上，中国艺术要求“造境”主张“意主形从”天人合一，物我两化，物我两忘，神与物游，物为我用。可以用尺幅之纸表现万里江河，也可以画万仞高山，可以画全景，也可以画边角小景，可以画全树，也可画折枝，随意取舍，极其自由。中国画讲究“计白当黑”，讲究艺术的空间，讲究“无画处皆成图画”。中国画的艺术特征

中国画一般特点

学习中国画，首先应了解中国画的特点是什么，所以这本书就先从这里谈起。

要想简明地用几句话回答以上的问题并不容易。传统的中国画具有悠久的历史，适应中国的文化土壤而生根开花，在立意、构图、技法和程式化的表现诸方面，都具有自己的特点，这些特点，也正是目前国画理论家正在讨论总结的问题。这里试举数点。

一、首重立意胸有成竹- -中国画的构思

中国画创作，以立意为先，许多绘画理论家都首先强调这一点，不管是画山水、画人物、还是画花鸟。

唐代张彦远在《历代名画记》中有一段关于"六法"的论述："夫象物必在于形似，形似须全其骨气。骨气形似．皆本于大意而归乎用笔。"他认为立意在完．画中才能有变态、有奇意。

宋代以画梅花著名的华光和尚，法号仲仁，传为华光著作的《画梅指迷》中，有一段"画梅全决"， 开头就是"画梅全决，生意为先"。到了清代的方薰，著有《山静居画论》．在这里也强调了立意与作画之关系，他说："作画必先立意以定位置，意奇则奇，意高则高，意远则远，意深则深，意古则古"。他认为平庸者作画必平庸，俗气者作画也俗气，因为缺乏画家最宝贵的"立意"，所以作品平庸。

意人利文艺复八时期的画家达·芬奇，也有近似的近在他曾说："一个画家应当描绘两件最主要的东西，人和人的思想意图。"这与我国晋代人物画家顾消之所提出的"巧密于精思"是十分一致的。

"意"是从哪里来的？一是画家对现实生活的丰富体察、创作经验的充分积累；另一点便是画家本人的修养，这样在创作之先，画什么，怎么画，在头脑中形成了成熟的构思。

宋代画家文与可，别人称赞他"胸有成竹"，即在他没有落笔画竹之前，头脑中已经有了竹子的形象，在胸中、笔下跃跃欲出，这时便能落笔而就。"'胸有成竹"遂成为我国赞誉善于计划安排事情的成语。

在张彦远提出的"立意"之前，南产时代的谢赫即有'创意"、'明意"之说。创意之画，不落陈套，用意精当，借景以生境，笔少而意多，在这一意义上讲作为一个画家，不仅要在平时注意练笔、锤炼个人的表现技巧，更为重要者，还要认真地加强练意之功。很多习画者，常常只是注意在练笔上下功夫，而忽略了练意，这是值得注意的。

二、以线造型以形传神——中国画的造型规律

中国画是以线存形的，通过线勾出轮廓、质感、体积来。德国的诗人歌德称美术有用光表现得神态活现的那种本领，说明西洋画用光为造型手段之一。但中国画主要是以线为造型之基础，这就使中西绘画在造型手段上有明显之分野，但这并非说西洋画完全排斥用线，而是说光可以作为绘画的主要语言而用于绘画的。法国的罗丹曾经强调过："一根规定的线通贯着大宇宙"，是说造型艺术从宇宙如何分割出来的问题，也并非以此作为绘画的主要表现手段来看待。而中国画无论对山水的破线或是衣服的纹线，都积累了非常丰富的线型，巧妙地描绘着各种形象。
"以形写神"是晋代画家顾恺之的一句名言，从而确立了中国艺术神高于形的美学观。它与纯以抽象性为高的近代欧洲美学观具很大的区别，即画人不仅仅于形似．还要升高于神似，画出人的精神面貌，不停止于外形之模拟，不拘泥于自然之真实，这一论见为艺术家建立起艺术应竭力企求之高度，在这一理论指导下，历代出现许多传神写照的佳作，成为指导绘画的一个重要准则。

三、多点透视 计白当黑——中国画的构图法则

中国画既用焦点透视法，也用散点透视法，既有严守真实的画面空间和布白．也有打破真实按构图需要而平列的空间和布白，这样就使物象在画面出现时，可以按实物在画面上的艺术需要．伸长或缩短变化其形象，更换其位置。一株低于视平线的牡丹花．也可架高于祝平线之上，而取得透视的最佳效果。
中国画在空白处尤其注意经营，常常借用书法上的计白当黑．即没有画面的部位要象有画面的部位一样作认真的推敲和处理。
四、随类赋彩色彩相和- -中国画的色彩法则
中国画的色彩，不拘泥于光源冷暖色调的局限，比较重视物体本身的固有色，而不去强调在特殊光线下的条件色。画那一件物品，就赋予那一件物品的基本色，达到色与物、色与线、色与墨、色与色的调和。

五、情景相生气韵生动- -中国画的意境

中国画要求笔与墨合，情与景合、现实中无限丰富的景象，绘画家以强烈的形象感染力。画家凭借着这种感受，激起描绘这些景象的激情，于是作品作为情景相生的复写而重现，使情景交融在一起。
至于气韵生动，即是画家所创造的艺术灵境，不同于一般的写生画，应成为富有生气，新鲜而活泼，有诗一般的韵味，使观者神往无穷。如果没有表现出如此生动、如此韵味丰富的内涵，当然，就不能给予人这一些感受，而达不到中国画富有引人入胜的意境。

六、诗书画印纸笔- -中国画的独特形式

可以说只有中国画，才有题字盖印的做法，不仅文人画，可以显示其诗、书、画三绝之长，即是一般的画作，也总要题字盖印，这样才有传统艺术的浓厚风味。
题字和诗句，可以提高或补充观者对作品的欣赏和理解，也丰富了构附的变化，起到互相衬映，互为显彰，点缀与平衡构图的多方面作用。
中国画的工具和材料之性能，也决定着中国画的特色。中国画是运用绢和纸作画，特别是生宣纸的出现，更加发挥了笔趣和墨彩。宣纸的渗性，毛笔的尖锥，使得笔锋无穷变化，产生出奇妙的效果。同时形成了各种效法和描法，画法和笔法。

从写生到写意

国画在初学时以临摹作为入门的手段，逐渐地对物写生。再转而对物象写意，不仅粗笔的写意画是如此，就是细致的工笔画，也有其写意的成份。因为中国画在描绘物象时，不管是为工笔或为写意，其处理手法都带有写意性，不是简单复写一遍，而是要得其精而忘其粗，繁其所当繁，而简其所当简，对物象提炼加工的程度较高，不以光色外型的逼真为能事，着重于内在的认识。

根据董其昌的记载，好多著名的山水画家，都是以真山水为稿本进行创作的，如"李思训写海外山，马远夏圭写钱塘山，赵吴兴写营雪山，黄子久写海虞山"。当后人看这些画幅时，感到他们既是在写生，又是在写意；既师法于自然，又不为自然现象所困。拿黄子久的《富春山居图》来看，作者取材于富春山，并不就是富春山的环境地理图，他表现的是黄子久理想化了的境界。

由此说明古代画家对自然界各种物象是如何认识并表现出来，使真实物变为艺术形象，并且逐渐使之规律化、程式化，同时可以看出他们丰富的表现技法。

对照《芥子国画传》及其它画谱，再对照历代画家对这一程式的运用，读者便可以摸到从自然生态变为国画中的艺术形态，如何加工和概括的过程。从中也可理解到从写生到写意的处理加工手法，从技法上掌握中国画的造型特点。

主题突出

明代汪珂玉在《珊瑚纲》中说："古人作画，皆有深意，运思落笔，莫不各有所主"。"所主"也即是主题。主题突出，是艺术创作中的一个共性。一个主题思想形成了，便可决定用何题材去表现，再决定素材之选择，以至确定下作品的标题，采用什么样的表现方法，都要取决于主题表现的是什么。象唐代阎立本的名作《萧翼赚兰亭图》（传），这个故事的曲折情节很多，但阎立本选取的是萧翼的意在"有意、机诈和骗诱"和辩才的出于"无心、善良和受骗"两个典型情节，以突出画中的主题。主题突出在"赚"字上，其他的细节则盯以减略或概括，这是完全符合《法书要录》上对这一事实所作的记述。

在国画创作中，发现了好的题材，并不等手都能突出主题。如只求人物之生动刻划，或求画面之丰富变化，或者平铺直叙，均不能算是突出主题。作者只有从国画艺术的特有规律和表现手法来考虑应该突出什么，要善于按国画形式概括题材，确定主题，把人物的刻划，细节的组织，都用来烘托主题，使观者从画面上叮以不加解释的领会到作画者的意图何在。所以郭熙认为?quot;作画先命题为上品，无题便不成画"。

主题明确了还应给作品取个最恰当的题名，大多数情况下还要题在画面之上。标题要言简意赅，寓有深意，也可以直接地揭示出主题，也可以暗示出主题的含意，以取得画龙点睛之妙。

积累素材

文艺工作者都需要在生活中积累大量的素材。文学家使用的是文字，画家有时也用文字，但主要的是用画笔写生。在画家接触自然界的风景、花卉和人物时，要经常以速写为记录，把观察到的实物用画笔随时收集。象画家齐白石，对于各种小生。的生理结构，都有非常细致的观察和了解，这样做下去，也锻炼了美术工作者观察生活和造型的能力。

鲁迅先生提到过，"作者必须天天到外面或室内练习速写，才有进步。到外面去速写，是最有益的"。

从生活中记录下来的原始材料，如同开采到的矿石，也象是活水的源头，有无限的生动和丰富，比之于拍照片，抄画报得来的素材，亲切而深刻。在深入探索自然风光和人物的实践中，积累大量素材，同时构思新的画题，会引起无穷通思。

题材 体裁

题材不同于素材，素材是未经冶炼的矿石，题材则是从大量的素材中．经过淘沙炼金找出的最适于表达某一主题的材料。如果对素材的选取不精，会使所要表达的内容，失去鲜明性和典型性。

用一个通俗的比喻来解释体裁，好比是量体裁衣，根据不同的体型，来剪裁不同的款式。比如一面大的壁画制作，用一幅小的册页体裁就不适当。又如前面提到的《萧翼赚兰亭》，用人物画的体裁就比较好，而《长江万里图》，当然是用山水画的长卷形式为佳。而各种咏梅的诗意画，则用花卉惊现口为贴切。

在人物、山水、花卉诸种形式和体裁中又分有工笔、写意、重彩、水墨等等的不同。作者当确定画的主题之后，都应从内容出发，跟着就要考虑所要使用的体裁。诸如长幅还是短幅，是用大场面还是用特写之笔。

两个基本功

一、中国画在其形成过程中，有许多的传统表现手法，掌握这些方法，一个经常使用的办法，是；陵墓前人作品和老师的画稿。副脚七画家王石谷，临摹宋元各大家，都有相当造诣，经数十年的临摹和体验，他才感到对青山绿水有了充分的把握，这一点在临摹一章里还要细谈。

二、生活中的丰富环境，是画家最活的画本，画家应在生活中不停地磨练自己，国画家常讲求以造化为师，只有从这个丰富的宝藏中，才能开发出艺术的瑰宝，得到自然界的启示，收集广泛的素材。

两个基本功相辅而行，不可或缺，只临摹前人的稿本，日子长了，失去独自创造的能力，如果只靠写生的东西，则常常失去传统的笔致。

在画家具有了很好的国画临摹基础之后，生活则是最重要的了。清代画家石涛说"笔非生活不神"，关在屋子里瞑思苦想不行，缺点在于离开自己亲自收集来的形象，对人物的性格、精神面貌全无所知，这种形象就会概念化。反之，你在生活中画下最熟悉的人物，一闭上眼，人的精神气质、音容笑貌、都会不呼自出，就会生动得多。

就拿画人来说吧，工人和农民，虽然都是劳动者，而从个性和气质都不相同，这些就需要在生活中默默的研磨才能脱颖而出。画山水花鸟，也同样离不开实地旅行写生和体验。当然作为一个艺术工作者，除了笔墨和生活基础之外，对于人品道德的修养，尤其不可忽视。过去人们常讲的书如其人或者说画如其人，即指一个画家的人品和修养，常常自然流露于笔端。

清，王星在《东庄论画》一书中徽“学画者先贵立品”。清，沈宗春在《齐舟学画编》中说：“笔格之高下，亦如人品”，“心画形而人之邪正分焉”。都足以说明，书画评论家，对画家的艺术水平高低之外，还要全面的分析画家人品道德，只有那品艺仅高的画家才值得人们学习和尊重。

我觉得这与东西方文化差异有关，国画在我们中国是一项历史悠久，非常受人喜爱的传统艺术，国画的起源要远远早于油画，但油画现在成为了世界主流的绘画，而国画相对来说受众面更小。因为毕竟中西方文化的传统差异还是比较大的，喜爱油画的人更多，而中外一国画的人相对更少一些。我觉得这与东西方文化差异有关，国画在我们中国是一项历史悠久，非常受人喜爱的传统艺术，国画的起源要远远早于油画，但油画现在成为了世界主流的绘画，而国画相对来说受众面更小。因为毕竟中西方文化的传统差异还是比较大的，喜爱油画的人更多，而中外一国画的人相对更少一些。我觉得这与东西方文化差异有关，国画在我们中国是一项历史悠久，非常受人喜爱的传统艺术，国画的起源要远远早于油画，但油画现在成为了世界主流的绘画，而国画相对来说受众面更小。因为毕竟中西方文化的传统差异还是比较大的，喜爱油画的人更多，而中外一国画的人相对更少一些。我觉得这与东西方文化差异有关，国画在我们中国是一项历史悠久，非常受人喜爱的传统艺术，国画的起源要远远早于油画，但油画现在成为了世界主流的绘画，而国画相对来说受众面更小。因为毕竟中西方文化的传统差异还是比较大的，喜爱油画的人更多，而中外一国画的人相对更少一些。我觉得这与东西方文化差异有关，国画在我们中国是一项历史悠久，非常受人喜爱的传统艺术，国画的起源要远远早于油画，但油画现在成为了世界主流的绘画，而国画相对来说受众面更小。因为毕竟中西方文化的传统差异还是比较大的，喜爱油画的人更多，而中外一国画的人相对更少一些。我觉得这与东西方文化差异有关，国画在我们中国是一项历史悠久，非常受人喜爱的传统艺术，国画的起源要远远早于油画，但油画现在成为了世界主流的绘画，而国画相对来说受众面更小。因为毕竟中西方文化的传统差异还是比较大的，喜爱油画的人更多，而中外一国画的人相对更少一些。我觉得这与东西方文化差异有关，国画在我们中国是一项历史悠久，非常受人喜爱的传统艺术，国画的起源要远远早于油画，但油画现在成为了世界主流的绘画，而国画相对来说受众面更小。因为毕竟中西方文化的传统差异还是比较大的，喜爱油画的人更多，而中外一国画的人相对更少一些。

国画与油画的盛行要从中西方文化的不同以及两者学习的难易程度来区别分析。
一、随着中国综合国力的增强，与世界交流日益增加，各国文化的交汇也日趋频繁。
二、中国具有上下五千年的历史，而中国的传统艺术是中华文明的代表。承载中华民族的艺术博大精深想精通很难，且国画中的画意往往又是艺术家的情感所寄托因此对所学时间及条件要求很高，而西方油画兴盛于文艺复兴时期，其技巧风格虽多变但还是重技，学习起来入门很快，另国人的好奇之心以及商家的商业推广故在现实中出现油画盛于国画的现象。
但是，随着中国与世界进一步的交汇，国画必将走向世界，再创中华文明盛世。

油画能成为当今世界的主流绘画，而产生较早的国画却不能，其原因是多方面的，但我个人认为，主要有闭关锁国、经济基础和绘画难易三个因素决定的。
一、闭关锁国影响了国画的传播。
鸦片战争之前，我们国家一直以来对外交往不多，基本上处于闭关锁国的状态，虽然有丝绸之路和郑和下西洋等，但与西方对外扩张相比，清朝之前，乃至民国初年，主动走出去传播咱们自己的文化基本上没有。而在这一时期，西方通过传教士和中国外派海外人员，却将西方的油画悄悄地输入了中国。

二、经济基础的薄弱影响了国画的输出。
鸦片战争后，清朝的国门被西方人的舰船大炮打开，一直自以为是的清朝人忽然发现，自己原来如此落后，于是便掀起了洋务运动，学习西方先进的科技，试图走西方式的经济图强之路。由于国力薄弱，经济落后，西方人除了掠夺我们的资源和财宝外，西方人对中国的文化，包括国画在内的文化不屑一顾，因为他们认为落后的民族，其文化也注定落后，不值得学习和引荐。

三、国画与油画的绘画技法相比，国画难些。
国画讲究意境，油画讲究写实。意境为虚，写实为实。虚的东西掌握起来是要比实 的东西要难。另外，国画还和诗词、书法、印章等中国元素结合起来，这是外国人很难领悟和通晓的。这么高的学习门槛，偶有个别西方人想学习国画，也被国画的高门槛挡回去了。

一、艺术来源于生活,却高于生活。
艺术本质的审美价值理性在于其对客观存在的现实世界的审美反映和艺术符号性创造，与自然科学、哲学社会科学和宗教伦理道德相比较，艺术具有更为广阔的思维空间。
艺术对象包括整个宇宙、人生，自然科学在科幻艺术创作中经常以审美的方式得到某个侧面的反映；哲学社会科学研究的对象，亦普遍地为艺术家所注目：伦理道德的表征也是与艺术作品中的形象相伴而行的；艺术产品作为物质构成物，表现为一个独立而完整的艺术语言符号体系。
审美价值理性是艺术对象的本质属性，人及其社会生活的其他价值属性，须在一定条件下转化为审美价值理性，或者以审美的方式表现出来。
二、结合艺术作品分析：
中国写意画是一个综合艺术的产物，千余年的积累、沉淀、变更与发展，使其不仅具有中国画的共性，也具有鲜明的个性特色。
1、以形写神，以神写意。
从古到今，中国的绘画一直围绕着一个形的问题在作文章。在绘画的初萌阶段，由于造型能力差，那时的形是简单而幼稚的，是似是而非的，也可以说是“以意表形”。随着绘画经验的不断积累，写形的功能大大提高，进入了“以形写形”的阶段。但随着时代的发展，画家们并不以形似为满足，逐渐认识到了“神似”的重要性。即在造型上表现对象的内在本质精神面貌和性格特征，才算真正达到绘画的目的。
最先提出“以形写神”理论的是人物画家顾恺之。后来引伸到中国写意画领域，逐渐比为“以神写意”的意象造型观念。是中国的写意画摆脱了自然形的限制，而追求以笔墨为载体的情感宣泻。由于开拓了表现上的自由空间，画家笔下的形象既跳出了特定时空中客观物象再现的制约，又由于形的限制而避免了过于的随意性。使作品既来源于生活，又高于生活，既有形的观念，又有自我情感的表露，达到极完善的幻化境界。但由于画家对自然物象的感悟千差万别，审美情趣各有所好，因此中国写意画家笔下对形与神的概念便有了不同的侧重。偏重工细一路的借形以抒发自我性灵的审美需求，既强调客观物象的真实性，又具主观的表现意识，达到以形传神、形神并重的目的，如注重写实的工兼写即属此类。
小写意画家则既注重形的制约，又注重自然精神与自我心境，情感的结合，达到一种意蕴平和、雅俗共赏的境界。大写意画家强调自我情感的宣泻，自然物象中的形只是表达感情的一种载体，可以不完全依附于客观物象的独立美感。在画家笔下自然物象的某些细节可以招之即来，挥之即去。意象造性，以神写意的表现力达到了最高境界。
关于形神论的观点，历代都有不少精辟的论述。北宋苏轼提出“作画以形似，见与儿童邻”，虽不免过于偏颇，但观点是明确的。元代倪云林的“逸笔草草，不求形似”，则是文人画家的一种偏激言词。二者都没有把形神的关系界定清楚。对中国写意画的形神问题阐述的最精僻的莫过于齐白石，他说：“不似为欺世，太似则媚俗，妙在于似与不似之间”。似与不似之间就有了一定的空间，画家在作画过程中，积极地去作物象的内在本质即神韵的追求，为了达到目的，就要对物象的特征加以强调、夸张，对形进行必要的概括、取舍、归纳。这个过程叫做“遗貌取神”，这种造型观念叫做“意象造型”。
2、骨法用笔、以书入画。
“骨法用笔”是谢赫六法中第二位，它用“气韵生动”是六法中最重要的两个概念。“骨法”是指客观物象的形神结构，“用笔”则是用笔方法，用笔技巧和艺术表现。唐代张彦远在《论画六法》中提出“骨气形似皆本立意而归乎用笔”。说明“骨气用笔”的内涵是十分丰富的，它不但要表现客观对象的基本结构、神韵，还要表达画家的主观感情和艺术创造。在写意画中，笔墨还有独立的审美价值，表现为特殊的用笔方法所产生的形式美，也表现为笔墨情趣。
黄宾虹先生根据中国画的审美要求，总结前人和自己的创作经验，把用笔归结为平、圆、留、重、变五法，他说：“用笔须平，如锥划沙；用笔须圆，如折钗股，如金之柔；用笔须留，如屋漏痕；用笔须重，如高山堕石。”以上是用笔所追求的一种境界，至于具体操作中如何灵活掌握，还要懂得一个“变”字，要留有余地，要掌握好分寸，过分了同样也是弊病。黄宾虹、齐白石、潘天寿、李可染等先生追求线条的凝重深厚，注重留的作用，因此行笔相对较慢，但也并不是处处都慢，该快时还是要快的。有的画家追求线的流畅，行笔速度相对较快，有气势磅礴、一气呵成之感。至于怎样才好，这与每个人的实践经验、审美情趣有关，不可强求一律。至于用笔中的苍、老、活、松、涩、劲、毛、挺、圆、厚的艺术效果，一个“变”字都能概括，靠在实践中去体会去灵活掌握。
总之，中国写意画的用笔贵在力的表现，所谓“力透纸背”、“力能扛鼎”之说，而绝不能是蛮力。试向齐白石先生九十多岁了，手已无缚鸡之力，但作画仍能力贯毫端。这是因为老人凭多年的功力，即使用很小的力气，用到笔尖上已绰绰有余。如果不懂得这个道理，力气再大也是徒劳的。
中国写意画的用笔来源于书法，在唐代就形成了书画同源的观点。张彦远在《历代名画记》中说：“夫象物必在于形似，形似须全其骨气，骨气形似，皆本于立意而归于用笔，故工画者多善书。”元代以后，中国的文人画发展到鼎盛时期，中国写意画家更注重以书入画。实践证明，如果没有书法根基作为画法用笔的基础，中国写意画就很难达到炉火纯青的艺术境界。清赵之谦以魏碑笔法入画，吴昌硕以石鼓文笔法入画，这是画坛上尽人皆知的典型范例。
中国写意画以书入画，不仅对于作品本身笔精墨妙的形式具有关键作用，而且可使笔法作为独立于物象之外的因素更增加其审美价值。以书入画，画家在运笔过程中的下意识表现，可直接倾注作者的思想感情，拓宽了表现的领域，提升了画面基础元素的质量，从而大大加强了作品的艺术魅力。
3、追求意境、缘物寄情。
中国的写意画，自元代尚意以来，由于文人的介入，一直把追求意境美放在首位，画家的文学修养直接反映到作品中，“诗中有画，画中有诗”不仅成为中国写意画雅俗，优劣和文野之分，而且成为衡量画家艺术修养高低的重要标准。
意境的创作，不但有赖于画家对客观物象的深入研究，而且有赖于画家主体情思的积极活动。这与张璪“外师造化，中得心源”是一致的。触景生情须外师造化，在画家审美心理因素的驱动下，发挥“中得心源”的创作过程，达到抒情达意的目的。作为内因的学识修养，首先在人品，中国自古就有知人论画的传统，所谓“人品不高，落笔无法”，“人品即画品”，画家的人格修养、情操品位是内因的主导，意境的创作实际上是作品人品高低的真实写照。王冕画梅：“不要人夸颜色好，只留清气满乾坤”。借梅之高洁标谤自身之品格修养。郑板桥画竹：“衙斋卧听萧萧竹，疑是民间疾苦声。”齐白石的作品“蛙声十里出山泉”,没有画青蛙，只画了几只蝌蚪，但十里蛙声如在耳边响起。这些作品如果舍弃了诗化的意境，格调的高雅便不复存在了。
历代优秀的中国写意画家，尽管风格面貌各不相同，成就的取得无不立足于作品格调的高雅，而作品格调的追求，又是以意境为第一要素的。八大山人创造的寂寞荒寒的空间意境和孤独冷僻的艺术造型，与他的内心世界融为一体，成为表达内心情感的语言。徐渭笔墨姿肆的大写意，是他怀才不遇、英雄无路心境的宣泻。在这些画家笔下，物象、笔墨都成为表达情感的借助物，“缘物寄情”、“托物言志”，达到物我交融的境界。中国写意画追求画外的意境创造，以诗入画的特色，正是其耐人寻味的重要原因之一，因而取得了其他画种难以企及的独特艺术效果，这也是中国写意画经久不衰的精神之所在，也正是写意画最能充分体现中国传统美学偏重表现的特点。因此，中国写意画才能在世界艺术之林中具有了熠熠生辉的地位。

艺术既然与美有着如此密切的联系、如此重要的关系，那么美就应该是艺术作品的灵魂，审美就应该是艺术的核心本质。理解美，不仅限于形式，还要关系到形式后面的意义。
审美关系，是指审美主体与客体之间发生美学上的关系。作为审美主体的人，通过审美实践活动，在审美客体中发现、感知、认识和欣赏它的美，把握相关美学特征如崇高、滑稽等。而只有当人与现实之间建立起审美关系时，才具有美学意义的美，才能被人们所认识、所欣赏，才能成为人们的审美对象。
在不同的关系中和不同的条件下，审美主体与审美客体是可以相互转化的。美的规律关系到事物的本质特性，关系到事物的内容和普遍性，还关系到事物的外在的现象、形式和个别性。美是形象的真理。艺术作品的美，是真、善、美的高度统一。美感从根本上说，是客观事物的美作用于人而引起人的一种意识活动和情感活动，这种意识活动和情感活动只有在人对客观事物的美的审美认识的基础上才能发生，当客观事物的美与审美主体的审美观念相符合，于是产生了美的感受与感动，既有感官的快适，又有理性的满足，整个身心都感到愉悦。
从艺术与艺术家的关系来看，艺术是艺术家对现实生活审美认识的表现形式。通过艺术家的审美意识反映现实生活和现实生活中的美，并且用物质手段将他的审美观念传达表现出来。因此，艺术从本质上说，就是艺术家审美意识或审美观念的一种表现形态。承认和肯定这一点也是在强调艺术的社会本质的前提下强调艺术的审美本质和审美特点。也可以说，艺术就是艺术家为着审美目的、按照美的规律、进行审美创造的一种自我表现，是艺术家对现实生活审美认识的集中表现形式。
对艺术的审美能力的培养必须以一般的认识能力、想象力、直觉能力为基础，但是这些能力本身并不是审美能力。艺术的审美教育要培养的是对艺术的审美态度，对艺术作品的形式、结构、语言特征、风格样式的感受力以及对艺术具有丰富的审美经验。从理论上说必须对艺术作品采取一种超功利的审美关照态度，这需要各种审美能力来支持。是对艺术作品形式的领悟能力和感受能力。艺术作品是一个由形式和内容互相联系而成的整体，审美的意义就是对整体的把握能力，既关注作品的形式，也领悟作品形式所包含的意味，这是对生活的重新构造和解释。从而提高欣赏美、感受美和创造美的能力，朝着真善美、知情意各方面全面发展。
艺术不但以自身的存在方式与社会中的其他事物区别，也在接受方式上有特定的审美接受方式———审美态度与它相适应，从而艺术作品在其现实性上成为艺术作品。艺术是对社会的一种反映形式。但是艺术家们并不是单纯因此而创作，他们最终的目的还是希望通过对生活的反映来干预、参与，甚至重新构建我们的社会生活。艺术返回社会生活就内在于艺术接受和消费的形式中，艺术的接受与消费使艺术重返社会生活还表现在它对社会生活的影响和构造新的社会生活上。

艺术本质的审美价值理性在于其对客观存在的现实世界的审美反映和艺术符号性创造，与自然科学、哲学社会科学和宗教伦理道德相比较，艺术具有更为广阔的思维空间。艺术对象包括整个宇宙、人生，自然科学在科幻艺术创作中经常以审美的方式得到某个侧面的反映；哲学社会科学研究的对象，亦普遍地为艺术家所注目：伦理道德的表征也是与艺术作品中的形象相伴而行的；艺术产品作为物质构成物，表现为一个独立而完整的艺术语言符号体系。审美价值理性是艺术对象的本质属性，人及其社会生活的其他价值属性，须在一定条件下转化为审美价值理性，或者以审美的方式表现出来。

中国美术
　　以汉民族为主体的华夏民族所创造的以物质材料为媒介，占据一定立体或平面空间的艺术。在中国，这种古老的艺术形式，大约产生在史前时代。在漫长的历史进程中，不仅演化出建筑、雕刻、绘画、工艺造型等门类，还形成了不同于西方美术的独特传统与体系。
　　建筑艺术
　　中国建筑艺术，在世界建筑史上是延续历史最长，分布地域最广，有着特殊风格与体系的造型艺术。中国古代建筑艺术在文化层面上表现出三大特质：注重审美性与政治伦理性的高度统一；具有鲜明的人文主义品格，是中国传统文化精神的集中展现；在多样变化中注重综合性的整体空间意象。其形式特征主要表现为：①多以群体组合的形式构成丰富的空间序列。如以十字轴线展开的坛庙建筑；以纵轴为主横轴为辅的民居和宫殿建筑；以曲折轴线展开的园林建筑。不管哪种展开方式都形成抑扬顿挫，有前序、高潮、尾声的空间序列。②单体建筑造型有一定的规格程式。如殿、亭、廊等形制都由台基、屋身和屋顶组成，同时各部分之间都有一定的比例，尤其是到了清代，这种规格化已达极致。③木结构的梁架组合形式所形成的体量巨大的屋顶，与坡顶、正脊和翘起飞檐的柔美曲线，使屋顶成为中国建筑最突出的形式特色。④室内空间处理灵活多变。常用板壁、槅扇、帐幔、屏风、博古架隔为大小不一，富有变化的空间，产生迂劻、含蓄的空间意象。⑤注重建筑构件的色彩和装饰彩绘的表现性。并以此标示等级与功能的差异。
　　中国建筑艺术按时间序列可分为秦汉、隋唐、明清、近现代4个阶段。①秦汉阶段。早在商周时期，中国建筑的主要特征如庭院形式、对称布局、木梁架结构、单体造型、大屋顶等已初步形成，不过因诸侯割据而南北各异。秦汉时期随着政治上的集权和一统，建筑风格也趋于统一。其特征是，都城里坊划分有秩，并多封以高墙。宫殿、陵墓多为高大的台榭式群体建筑，其中单体建筑体量巨大，多以十字轴线展开，并装饰有造型夸张、诡谲、色彩浓重的雕刻和彩绘，布局舒展、整齐，具有明确的伦理、等级、秩序等内涵，表现出刚健、质朴的风格特色。②隋唐阶段。汉末到南北朝时期，随着佛教的传入和盛行、南北民族的大融合以及文人士大夫归隐山林的思想情趣和山水诗、画的出现，使南北朝时期的建筑艺术在传统的理性精神中加入了许多浪漫情调。至唐代终于形成了理性与浪漫相交织的盛唐风貌。宏伟、规整的都城，恢宏舒展的宫殿、坛庙，规模巨大，形制多样的寺塔、石窟，造型浑厚，装饰华丽，展示出博大伟美的风格特征。③明清阶段。经五代两宋城市经济的发展及各地方文化乃至蒙、藏、阿拉伯文化的进一步交融，至18世纪的清代，中国古代建筑艺术走向最成熟的阶段。城市街巷规格方整，宫殿陵墓建筑定型化，但形制增多，手法多样，造园艺术空前繁荣。其总体风格是雍容、典丽、严谨、清晰。④近现代阶段。随着封建制度的解体和西方文化的东渐、现代社会科学技术的发展以及现代人审美情趣和文化心理的变迁，20世纪的中国建筑产生了较大变异。在传统的园林建筑中，增加了建筑的比重，空间更加曲折多变，装饰更加繁复细丽。出现了大量中西合璧式的公共建筑，更加注重其实用功能与审美功能的统一。80年代以后城市整体布局更加开放，变革更加迅速。风格更加丰富多样，寻找时代风格与民族风格的有机结合将是中国现代建筑的重要课题。
　　雕塑
　　中国雕塑在题材内容、形式风格、雕塑技法上都具有鲜明的民族特色。古代雕塑作品主要是陵墓雕塑、宗教雕塑和民俗雕塑。其发展高峰是秦汉至隋唐时期。20世纪以后受西方文化影响出现了大型纪念性雕塑和架上雕塑。
　　中国原始雕塑主要以人和各种动物形象的陶塑为主，还有石、骨、玉材料的雕刻。人物形象大多是附加在实用器物上的装饰物。多以捏塑、贴塑、锥刺等手法制成，随意性很强，形象粗简、稚拙。但从辽宁牛河梁红山文化遗址发现的头像和残片看，可知5000年前的原始先民们已有了木架支撑、层层敷泥等最初的雕塑方法。商周时期的雕塑作品以青铜器铸造为主。商代青铜礼器造型奇特，多富于神秘、威慑的色彩。西周以后，其风格趋于写实而富于理性。至春秋战国时期则变得繁丽、华美。商、周时期除礼器外，还有一些器物支架、底座等实用青铜器和石、骨、玉雕刻作品，或人物或动物皆造型巧妙，制做精细。另外如四川广汉三星堆出土的一组青铜人像，形制巨大，形象夸张，与中原遗物有着明显差异，可窥见远古巴蜀文化的风貌。秦汉时期的雕塑空前繁盛。最具典型意义的是秦始皇陵兵马俑雕塑群。其塑造方法是模塑与手塑相结合，塑好泥胎后，入窑烧制再加彩绘而成。以体量的巨大、数量的众多、形象的真实产生着震撼人心的艺术魅力。汉代的厚葬风使动物俑和人物俑的雕塑作品众多，造型古朴、神态夸张而强调动势。西汉名将霍去病墓前的大型动物石刻，手法简练概括，于浑厚中显示着雄强的力之美。随着佛教的盛行，佛像雕塑成为魏晋南北朝时期雕塑艺术的主流，著名的云冈、敦煌、龙门、麦积山四大石窟均开凿于这个时代。一般而言，北魏时期的造像在形式风格上受印度或西域式样的影响，庄严、浑朴，于静穆中显示着佛的伟力。南北朝的佛教雕刻融合汉族知识分子的审美时尚，形成了褒衣博带秀骨清象的新风貌，此外，南朝陵墓雕刻群也是这个时期重要的雕刻作品。最出色的是那些镇墓神兽，体量巨大，造型奇伟。隋唐时期是中国古代雕塑的鼎盛期。其成就首先表现在石窟雕塑上，如龙门石窟奉先寺石刻造像。其雕刻手法流畅而娴熟，创造了完全民族化的造型风格，它不仅体现唐帝国博大、雄强的时代精神，同时也显示出唐人丰富的想象力和高超的雕刻技艺。唐代宗教雕塑的另一特点是形象的现实化与个性化。那些佛国的人物都被赋予了世人的性格和神貌。以顺陵石狮、昭陵六骏为代表的陵墓雕刻，单纯而注重动势，体现出雄视一切的恢宏气度。此外，最能代表唐俑艺术水平的是那些真实生动的三彩俑。世俗题材的增多和写实风格的发展是宋、辽、金时期雕塑艺术的主要特点，四川大足石窟、山西晋祠、山东长青灵岩寺、江苏直保圣寺彩塑，都生动传神地表现出了世人情态，有很强的写实性。辽代大同下华严寺的菩萨造像体态优美、神性含蓄、衣饰华美，大有唐塑遗风。此外河南焦作金墓出土的砖雕人物，型制虽小却有浓郁的生活情味。元、明、清时代的雕塑成就主要体现在宫廷、园林中的雕塑作品上，在点缀人间、烘托氛围上起了很重要的作用。此外，清末天津张明山的以民俗生活为题材的小型泥塑，在写实方面达到了相当高的水平。20世纪以后，中国雕塑在题材内容和形式风格上产生了新的变化，出现了一批雕塑家和纪念性的写实雕塑作品。80年代以后，雕塑艺术向着多样化发展，环境雕塑和小型架上雕塑并驾齐驱，并且在艺术观念、创作手法和材质的探索上都有了长足的进展。
　　绘画
　　中国的绘画艺术源远流长，在数千年的演化过程中，不仅创造了多种多样的形式，并且在绘画观念及表现方法上自成体系，独具民族特色。传统的中国绘画，主要使用柔软的毛笔、水墨，以黑白线条和装饰性色彩描绘形象，与注重再现客观事物外在形式的西方传统绘画相比，更注重主观情感的表达和意境的创造。20世纪以后，中国绘画从西方获得了许多借鉴，有了更加多样化的发展。
　　中国绘画的缘起，可追溯到大约1万年以前的新石器时代。那些刻在岩壁和兽骨上的花纹、描绘在陶器上的纹样、画在地面和墙壁上的人和动物形状等，虽然粗犷、稚拙，但已具备了在平面空间展示形象的基本性能，可视为中国最早的绘画艺术。据记载，周代已有历史人物的画像，春秋时期已有大型壁画。从出土的青铜器纹饰、漆器彩绘和楚墓帛画可看出在春秋战国时期以线造型的特色已初步形成。秦汉时期的绘画艺术已十分发达。既有壁画又有肖像画，既有历史画又有神怪画，题材多样，种类不一，从汉墓出土的大量壁画、画像石、画像砖、帛画、漆画等可睹当时绘画艺术之风貌。其壁画造型生动洗练，用笔质朴简率，在单纯、稚拙的形式中表现出运动、力量和速度感，其画像砖多为各种生活场面，造型夸张简括，注意整体动势的描绘。其帛画多富有浪漫性，如湖南马王堆一号汉墓出土的非衣帛画，制作精细，造型准确，用线流畅而有变化，以石青石绿等矿物颜料着色，至今鲜丽不变。魏晋南北朝时期，佛教壁画空前兴盛。以敦煌莫高窟的壁画数量最多也最精彩。卷轴画和顾恺之、陆探微、张僧繇等士人画家的出现，标志着中国绘画进入了一个新的更加自觉的理性阶段。人物画趋于成熟，准确的人体比例、优美的线描和深入的表情刻画取代了汉代绘画天真、稚拙、以动态传情的特色。与此同时还出现了最早的山水画，并产生了中国最早的独立画论。隋唐绘画仍以宗教题材为大宗。佛教的盛行不仅为画家们提供了施展创造才能的物质条件和观赏群，还能确立画家的社会地位，因之许多画家都从事寺庙壁画创作，大大提高了它们的艺术水平。与此同时表现世人生活的人物画高度繁荣，将人物画从南北朝的“迹简意淡而雅正”推向了“细密精致而臻丽”的境界。山水画迅速发展，花鸟、鬼神、牛马、屋宇等开始独立成科，一时名家辈出，使唐代绘画五彩纷呈，绚丽多姿。五代两宋时期的绘画艺术进一步成熟和完备，登上中国古代绘画的顶峰。寺观壁画衰落，世俗生活和山水、花鸟成为画家们更加喜欢的题材。绘画的教化功能被逐渐减弱，审美、寄情和娱悦功能则被空前看重。文人画家的涌现，使绘画向诗歌汲取营养，更加注重诗情意境的表现。在材料工具和技巧上更趋考究、精妙。水墨画空前成熟，重彩画更加工整细丽。总体看宋代绘画更趋精致、多样化，并富于人情味的抒情性。绘画功能的转变也使其创作与欣赏的结构发生着雅俗分流的变化。元代知识分子的特殊境遇和文人画思潮的扩大，使绘画产生了时代性的转折与变异，元画以卷轴为主，且多用纸。纸能充分发挥渴笔的功能，遂使笔法空前丰富，与宋画相比更能表现物象的多种质感和艺术家细腻的感受。宋人崇尚以诗入画，强调空间与情趣的变化。元人崇尚以书入画，更强调笔墨情趣的形式感，从绘画自身来看，元画向着完满性跨越了一大步。明清两代山水花鸟画更成大宗，宗教画、人物画愈加衰落。明代山水画坛画派林立，进一步发展了中国传统绘画的形式风格。明中叶以后，形成一股雅俗合流的势力。著名画家涉足文学插图、年画、稿本的创作，给绘画艺术带来了新的生机。清初社会矛盾空前尖锐，出现了四画僧、四王、金陵八家等一大批杰出画家。突起了中国绘画史上的又一个高峰。乾隆年间（1736～1796）扬州画派和清末海上画派的出现，使摹古之风甚盛的清代中、晚期画坛又放异彩。雅俗合一之势更加明显。辛亥革命以后，在西方文化的冲击与影响下，中国的绘画在观念与价值取向上都面临着多种选择的可能。但为人生而艺术、把绘画创作与现实功利紧密结合的大趋势成为主要流向，写实主义绘画渐居首位。50年代以后，以徐悲鸿画派与前苏联绘画体系相结合为根基，为政治和为人民服务的绘画大发展。80年代以后，中国绘画更向着多层次，多态式发展，出现了空前繁荣的景象。
　　书法
　　以毛笔书写汉字，也是中国特有的一种造型式样。讲求用笔的疾徐、顿挫、顺逆、刚柔、墨色的浓淡、干湿创造美的章法及结构形式，借以表达书法家的文化修养、品格情操。
　　中国书法在数千年的演化过程中，形成了篆、隶、楷、草、行等主要字体形式。篆书是商、周、战国时代通行的字体，大都刻在甲骨、青铜器或简牍、帛、石、陶上。至秦代小篆成为全国推行使用的统一字体。其结体圆长，笔画匀称，藏头护尾，圆润优美。隶书盛行于汉代，字体宽扁，左右舒展，横画如蚕头燕尾，具有浓厚的装饰意趣。楷书经南北朝到唐代发展至顶峰，其字形方正、笔画结构严整。王羲之、欧阳询、褚遂良、颜真卿、柳公权等书法家留下的不同风格的楷书作品，给后人以深刻影响。草书经章草、小草发展为狂草，笔线连绵不断，大起大落如风驰电掣。此书也盛行于唐代，以张旭和怀素最为著名。行书介乎草书与楷书之间，书写简易，流畅。形成于汉，成熟于两晋。历代书法家都以行书字体创造了各自不同的风格。
　　篆刻
　　中国篆刻是以书法字体，结合镌刻制作印章的一种艺术。它于方寸之中，红白之间创造各种美的结构和形式。因其字体多为篆书所以称篆刻。
　　篆刻艺术是由作为权力和凭证的古玺印发展而来的。明中叶以后发展成独立的艺术式样，并形成了各种风格流派。如明代以文彭为代表的吴门派和以何震为代表的徽派；清代以程遂厚重、凝练风格为代表的皖派，以丁敬、邓石如开创，黄易等西泠八家发扬光大的浙派。清末吴昌硕将古印、陶文、石鼓文等熔于刀法之中，以苍劲古朴之风被尊为吴派。
　　工艺美术
　　中国的工艺美术历史悠久、种类繁多。它一方面以满足人们的实用要求和审美要求为目的，与社会的物质生活和精神生活紧密相联；另一方面，高超、精湛的制造技艺又闪烁着中国历代劳动者智慧的光芒。所以中国工艺美术又浓缩着民族文化的精华，展示着民族精神发展的历程。
　　中国工艺美术 门类众多，按功能可分为实用工艺美术和陈设工艺美术；按生产方式可分为手工艺美术和工业设计；按生产和消费的社会层次可分为民间工艺美术、宫廷工艺美术和文人工艺美术。按材料和创作工艺可把传统工艺美术归结为雕刻工艺、织绣工艺、编织工艺、金属工艺、陶瓷工艺、漆器工艺六大类别。现代工艺则以产品对象分为室内环境设计、染织设计、日用工业品造型设计、日用陶瓷设计、商业美术设计和书籍装饰设计等。
　　原始人制造的第一件劳动工具可视为中国工艺美术的远源。从单纯工具发展为新石器时代的石、玉、骨、牙雕刻，缝纫，编织，制陶等工艺，已明显地表现出对美的追求与创造了。最有代表性的是形制多样、纹饰斑斓的陶器。商、周、春秋、战国时期，浑厚、奇丽的青铜礼器和精美的玉器是造型艺术的代表。至汉代青铜造型仍占重要地位，漆器、丝织、釉陶等制作技艺已相当成熟，南北朝时期在青瓷烧制、织锦技术等方面成就最为突出，风格趋于华丽。唐代的织锦、陶瓷、金银器、漆器等工艺获得全面发展，其制作水平和生产规模都是空前的。富丽华贵、舒展丰满是唐代工艺造型的风格特征。宋元两代制瓷工艺蓬勃发展，瓷窑遍布全国各地，以钧、汝、官、哥、定五大名窑的产品最具特色。优雅的造型，晶莹的釉色，精湛的制胎、烧窑技艺，享誉全世界。明代资本主义萌芽的产生，促使其工艺美术跨入一个新阶段，各工艺门类都有了全面发展，其总体风格简约、劲健而端庄。清代工艺美术在品种、形式、手法、技艺等各方面都远远地超越了前代，可以说是中国古代工艺美术的集大成时期。与时代和上层人士的审美趣味相谐，其风格日趋雕琢、精致、繁缛。20世纪以后，在现代工业文明的冲击下，传统工艺美术衰落，具有清新、明快、简洁风格的现代工艺迅速崛起。尤其是80年代以后，中国工艺美术在形式和内涵上都与现代社会文化及人们丰富多变的审美心态息息相关，在品类的繁多、风格的多变、技艺的精良等方面都是前所未有的。它们一方面构建着现代社会的生活环境，另一方面又不断地影响和更新着人们的精神追求和审美观念。中国美术大约产生在史前时代。在漫长的历史进程中，不仅演化出雕塑、绘画、工艺造型等门类，还形成了不同于西方美术的独特传统与体系。
　　中国的工艺美术有着悠久的历史。原始社会新石器时期的陶器，可以说是最早的工艺美术品。此后，商周的青铜器，战国的漆器，汉唐的丝织品，宋朝的刺绣，明清的景泰蓝和瓷器等，都是极其精美、名贵的工艺品。
　　中国传统的工艺美术，制作精美，技艺高超，不但具有鲜明的民族风格和地方特色，而且品种丰富，种类繁多。如：金属工艺、漆器、陶瓷、编织、刺绣等。
　　中国工艺美术品是中国文化艺术宝库中的珍宝，很早以前它们就已走向世界，并向各国人民展示了自己的风采。