为什么轻小说这种艺术载体在商业化中不流行

插画的简介

插画,西文统称为「illustration」,源自于拉丁文「illustraio」,意指照亮之意,也就是说插画可以使文字意念变得更明确清晰。二、辞典上的解释,插画是:(1)插画、图解(2)例证、实例(3)举例说明《辞海》对“插画”的解释是:“指插附在书刊中的图画。有的印在正文中间,有的用插页方式,对正文内容起补充说明或艺术欣赏作用。”这种解释主要是针对书籍插图作为的定义,是一种狭义的定义。

由于情报时代的来临,现代社会的发展,现代插画的含义已从过去狭义的概念(只限于画和图)变为广义的概念,“插画”就是我们平常所看的报纸、杂志、各种刊物或儿童图画书里,在文字间所加插的图画,统统称为“插画”。插画,在拉丁文的字义里,原是“照亮”的意思。望文思义,它原来是用以增加刊物中文字所给予的趣味性,使文字部份能更生动、更具象地活跃在读者的心中。而在现今各种出版品中,插画的重要性,早已远远地超过这个“照亮文字”的陪衬地位。它不但能突出主题的思想,而且还会增强艺术的感染力。

插画是一种艺术形式,作为现代设计的一种重要的视觉传达形式,以其直观的形象性,真实的生活感和美的感染力,在现代设计中占有特定的地位,已广泛用于现代设计的多个领域,涉及到文化活动、社会公共事业、商业活动、影视文化等方面。

不管是随意的涂鸦还是有深思熟虑的创作,都算是插画,插画的定义也许每个人都有自己的一些见解和诠释:

插画中国大龙:插画可以分为艺术性插画和商业性插画,一般为企业,为产品,为宣传,为修饰等所绘制的图画,我们都将它归于商业性插画范畴。

郝爱杰:插画是一种语言。你想传达什么,你就去画什么。

王东晟:单从字面上理解,“插画”就是穿插在文字或文章中的图画。

郭宏法:插图就是一种服务

画儿晴天:插图是意识思维转化成视觉元素的产物。插图就是设计的另一种表达方式,简单点插图就是设计。

家合:插画其实是很广义的一种存在。它比想象中有更多的载体。

插画艺术的发展,有着悠久的历史。对你我看似平凡简单的插画,却是有很大的内涵。从世界最古老的插画洞窟壁画到日本江户时代的民间版画浮世绘,无一不演示着插画的发展。插画最先是在十九世纪初随着报刊、图书的变迁发展起来的。而它真正的黄金时代则是二十世纪五六十年代首先从美国开始的,当时刚从美术作品中分离出来的插图明显带有绘画色彩,而从事插图的作者也多半是职业画家,以后又受到抽象表现主义画派的影响,从具象转变为抽象。直到70年代,插画又重新回到了写实风格。

中国最早的插画是以版画形式出现的,是随佛教文化的传入,为宣传教义而在经书中用“变相”图解经文。目前史料记载我国最早的版画作品,唐肃宗时刊行的《陀罗尼经咒图》。刊记确切年代的则是唐懿宗咸通九年(868年)的《金刚般若经》中的扉页画。到了宋、金、元时期书籍插画有了长足的进步。应用范围扩大到医药书、历史地理书、考古图录书、日用百科书等书籍中,并出现了彩色套印插画。明清时期,可以说古代插画艺术大发展时期,全国各地都有刻书行业。不同的地域形成了不同的风格。插画的形式大体有以下几种:卷首附图、文中插图、上图下文或下图上文、内封面或扉页画和牌记等。

我国古代插画的历史演变,可以看作是版画的发展历史。同时,也是民间年画史。只不过民间年画更早地独立成为一种商品,它是商业插画的前身。

欧洲的插画历史与我国相似,最早也是运用于宗教读物之中。后来,插画被广泛运用于自然科学书籍、文法书籍和经典作家文集等出版物之中。

社会发展到今天,插画被广泛地用于社会的各个领域。插画艺术不仅扩展了我们的视野,丰富了我们的头脑,给我们以无限的想象空间,更开阔了我们的心智。随着艺术的日益商品化和新的绘画材料及工具的出现,插画艺术进入商业化时代。插画在商品经济时代,对经济的发展起到巨大的推动作用。插画的概念已远远超出了传统规定的范畴。纵观当今插画界画家们不再局限于某一风格,他们常打破以往单一使用一种材料的方式,为达到预想效果,广泛地运用各种手段,使插画艺术的发展获得了更为广阔的空间和无限的可能。在中国,插画虽然发展的较晚,但追其溯源,方远流长.插画经过解放后黑板报、版画、宣传画格式的发展,以及20世纪80年代后对国际流行风格的借鉴,90年代中后期随着电脑技术的普及,更多使用电脑进行插画设计的新锐作者涌现

约旦插画家ShamekhAl-Bluwi聪明地将时装和建筑结合起来,设计出了一系列精致的剪纸插画。

插画从诞生的母体——书籍以外,找到了巨大的生存空间。丰富的载体随着技术的进步、社会的需要而不断涌现。

倪传婧(VictoNgai),香港插画师。福布斯最新“30under30”(30位30岁以下)艺术榜榜单上最年轻的得主之一。

CG插画的定义是什么?CG插画的艺术特点?CG插画的发展潜力?

CG插画主要指利用计算机技术,主要适用电脑绘制、建模等进行视觉设计绘画。主要分两个方向:

(1)人物向:主要做人设、服设方面,大概后来适合到游戏公司、动画公司等。例如《剑三》的人设:

(2)场景向:以画场景为主,表现空间氛围、建筑、风景等。影视公司,做场景概念设计图。例如《寻龙诀》的场景概念图。

两者有互通的地方,工业设计、广告设计也常常需要这类的设计师。

当然也有纯画插画闯天下的,纯插画就是rei子、焦什、鸡腿子等人,用做杂志封面、轻小说插画、绘本插画等等,但这些人也具备在前两种跨界玩的实力。

看个人选择吧,基本是场景大于人物大于纯插画的收入,游戏原画和纯插画人员早就饱和了。现在中国电影很缺能做概念设计的人,当然收入和自己画的质量有决定性关系,只要画的好都不是问题。

学习插画该怎么入门？

一幅优秀的CG插画在构图、色彩搭配和表现手法上都有其独特的艺术风格。怎样画好一幅CG插画?一方面需要有扎实的基础功底,如优秀的造型和色彩表达能力。另一方面需要构图新颖,富有创意。下面,主要从这两个方面进行探析。CG插画师相对于传统的插画形式而提出来的。

CG插画中的CG即ComputerGraphics,核心意思为数码图形,是以计算机为主要工具进行视觉设计和生产的产业,他是艺术和技术的结合体。画好一幅CG插画不但需要精通插画软件,而且还需要拥有扎实的表现能力和独特的创意思维。

CG插画作为一种艺术形式,是现代设计的一种重要的视觉传达形式,以其直观的形象性,真实性的生活感和美德感染力,在现代设计中占有特定的地位。微信添加搜索公众号:名动漫董飞老师,免费领取40000分钟学习教程!一幅优秀的CG插画具有非常个性,想象丰富,角度多变,色彩鲜艳,人物清晰,立体感强,画面逼真等特征。

在CG插画的学习过程中,首先要让学者了解插画的发展历史与现状,这样才能把握插画的本质和发展趋势,同时要了解和分析不同的插画风格,代表人物的作品和技法特征,把CG插画中所具备的丰富色彩,精致的造型,虚幻世界根据市场的需要进行设计。在具体的操作中,CG插画主要是绘者通过计算机绘图软件,用手写板来创作作品,通过手写笔的感压效应可以轻松的画出流畅逼真的线条,给CG设计师带来手绘一样的体验。CG插画在设计制作中主要有操作方便,插画软件可以模拟传统的绘画表现手法表现手法,同时还能设计出传统表现手法无法体现的效果。

在学习的初级阶段,建议学者首先要熟悉线条,线条是插画的灵魂。其次是观察方法,以及基本的描绘技巧,如多临摹成熟的卡通作品,这有利于把握好CG插画的学习方法。当能很好的临摹名人作品之后,学者在这个阶段可以进行各种层次的创作。比如可以给临摹的人物换换衣服,变变手势之类。微信添加搜索公众号:名动漫董飞老师,免费领取40000分钟学习教程!总之,要大胆地做出改变,同时还可以借助网络等交流平台去实践自己的作品。在学习CG插画的过程中要重点把握好以下这几个方面。

1、速写能力的提升

速写与CG插画的创作息息相关。在CG插画创作中,学者可以通过速写把自己对作品的感受很好的提炼出来,速写是所有绘画形式的基础,是插画艺术的生命。在速写培训中,侧重于多用感性的视觉捕捉学习者对形象的概括能力,加强对人体的感性理解,在短时间内完成对象的形神的描绘。一幅好的速写一般具备简约、细腻、明快和生动的特征。速写应该坚持长期训练,重点研究人物的形象、把人物的神韵很好的表现出来。

2.造型能力的把握

学者的造型能力是学插画的重中之重,在学插画时,学者只有在了解人体结构的基础上,多加练习创作,把平时的灵感都积累起来,这样才能设计出好的插画作品。同时要能很好的刻画出不同年龄、性别人物的特性,刻画出不同的建筑、风景的透视表现和材质的质感的体现。

在学插画时,以擅长的线条的方式进行头部及五官的表现。并说明头与五官在传统美术与动漫上的表现方法和不同之处,以及男性与女性,头与五官的比例关系。以及表现方法。同时要练习绘制人物性格在面部表情上的体现,如喜怒哀乐。微信添加搜索公众号:名动漫董飞老师,免费领取40000分钟学习教程!在身体上,练习时要注意卡通动漫人物与实际人物的差别,以及夸张的表现效果概述。人体关键部位的比例与表现方法:颈、躯干、四肢与手脚。了解男性,女性整体各种身体形态的特征,以及人物处于各个不同体态时,元件的变化与表现和人物全身形态:胖、瘦、高、矮的表现练习。

3.色彩基础的巩固

马克思曾说过:“色彩的感觉是美感的最大众化的形式”。在CG插画中,色彩影响着一幅作品的气氛,它是清新、舒适的还是恐惧、危险的,这跟色彩的采用息息相关。如:整幅画面由一种色彩构成,只有明度、纯度上的区别。这样的画面单纯、柔和、给人一种宁静、舒服统一之感。相反,作品的色彩由同类色或邻近色组成,且各种色彩在构图中所占的面积、位置、大小以及色相的纯度、明度等差别都构成了色彩的对比,强烈对比的色彩关系使画面效果醒目、具有震撼力,这样的作品给人的感觉是兴奋、火热、热情或者是烦躁、不安。微信添加搜索公众号:名动漫董飞老师,免费领取40000分钟学习教程!还有如亮丽的色彩体系一般用于欢快、愉悦的景。灰暗阴郁的插画色彩,灰暗凝重的色调通常用来表现神秘、恐怖、哀伤的气氛效果。这种色调的插画往往应用在神话、魔幻等方面的故事中,画面以冷调灰调为主。

4、构图的创意表现

创意的实质就是对传统和人们惯性思维的颠覆,创意就是充满创新性。有创意的构图给人新颖,独特的感觉,能深深的抓住观众的视线。在一幅优秀的插画中。人物的肢体语言和情景的和谐交融是构图的重点。同时在具体的构图中要注意这这么几点:一、不要一味的以“水平正视”入手,经常尝试如“俯视”仰视”的角度。二、人物动作和表情要丰满让其跃然纸上。三、背景要衬托人物,不要让人物来装饰背景除非学者画风景画,如果是画插画主要还是在于表现人),最后是要做到主次分明,层次丰富,只有这样才能把设计出一幅优秀的作品。

5、软件技能的精通

技术上的把握需要学者多尝试用不同的工具表现作品,不同的工具的运用,会给作品带来不同的效果,找出适合此作品风格的最佳效果。在CG插画的学习中,运用得最多的是画笔和图层。画笔是画CG插画的主要工具,一般绘图软件都自带了多种笔触的画笔。可以根据需要和自己的喜好挑选画笔,并尝试用不同的笔触来表现多种风格;微信添加搜索公众号:名动漫董飞老师,免费领取40000分钟学习教程!其次是充分利用图层的功能。根据需要建立不同的图层,在相应的图层中作画,既可以加快绘制速度,把握作品的整体层次,还有利于作品的修改。

6、坚持中国特色的插画风格

在西方文化的冲击下,根据我国艺术特色,如何把握好我国的插画风格也变得尤为重要。随着插画市场的发展,中国的插画水平也会达到一个更高的水平,CG插画在表现好时代特征的同时也要突出民族传统和民族精神。如将中国的国画、剪纸、皮影、年画等风格的艺术特征运用到CG插画中,将中国传统艺术这一独特的艺术效果和表现手法数字化,这样既丰富了插画的形式和内容,也发展出有地方特色的插画形式。

媚宅，表示的一些资本刻意讨好宅男宅女而衍生的文化。媚宅其实只是一种资本积累中，割韭菜的现象。有的宅男宅女可能会为媚宅买账。

意味着不仅可以带动整个二次元文化市场的宅文化需求，增加虚拟经济的购买力，而且可以发展新的领域，发展新的经济市场。

　　在现代世界中，严肃的艺术与通俗艺术甚至是日常生活本身的界线正在逐渐消失。在传统社会中，艺术与实用品、高雅艺术与通俗艺术之间有着本质差别，它们由艺术本身深奥的哲学内涵、高级的审美趣味以及不同寻常的艺术技巧共同构成。但到了艺术的现代主义时期，严肃的艺术与通俗艺术、甚至是日常生活本身的区别越来越不明显。如在现代艺术展览中，有的陈列品就是一堆沙子上面摆放一些花生壳，有的则是把一些废铜烂铁焊在一起。一位著名的艺术家把自己的小便壶拿上展厅也就成为了艺术品；一位音乐家“4分33秒”的沉默也可以成为一种演奏；一位画家把自身涂上油彩、沾满羽毛站在展览厅也就成为人体艺术品。有时没有艺术作品甚至也可以开办艺术展，欧洲新达达派代表人物伊夫·克莱因，1958年就开了一个“空虚”展览会，其内容是全涂成白色的画廊，门口设立警卫而器具却搬得精光。结果是成千上万的参观者前来预展，人多得几乎引发骚乱。更有甚者，毁灭艺术也可以成为一种艺术，1986年11月中国的“厦门达达”就举行了著名的“焚烧作品展在厦门举行”艺术活动，艺术家们在一个用白粉画的圆圈内，将所有的参展艺术品付之一炬。圆圈外则立着一块牌子，上面写到“达达展在此结束”。
　　这些十分奇特的现代艺术现象，很难从传统艺术的定义与语境来分析或归纳。一方面，并非所有的通俗艺术与日常行为都可以成为艺术，另一方面，当然许多现代艺术家的实验艺术又的确产生了传统艺术那种惊人的艺术效果。所以区别严肃的艺术与通俗艺术，最好的做法是抛开传统的艺术分类原则，从其是否具有审美内涵来进行。
　　从艺术感觉的角度看，通俗艺术只与人的生理感觉发生联系，并作为人的本能欲望的表现媒介而存在，如病态、邋遢、怪异、粗劣、黏腻，以及公开的或者隐蔽的性感的“仿克艺术”(Funk art)。而严肃的艺术则超越了这种感觉与欲望的生理性，成为一种人的审美本质力量的感性证明。如当我们面对一幅人体油画时，基本上可以有两种感觉，一种是直接以生理欲望投射对象的生理性人体结构发生联系；另一种则是通过审美变形超越直接的感官冲动，从中体验到一种对生命本身的爱与欣赏。这可以达达主义艺术家杜桑著名的《泉》和古典主义画家安格尔的同名画作相比较，在杜桑的《泉》中，艺术作品是一个签了名的尿斗，给人的感觉是一种生理上的不适感，但在安格尔的《泉》中，给人的感觉是一种美的升华。
　　从审美对象的角度看，严肃的艺术都是对于对象世界创造性活动所产生的东西，它是一种克服了对象自然本性的能够唤起主体自由感与走向感觉解放的审美幻象，这种具有审美外观的严肃的艺术，当然不同于只有一种实用性价值的生活用品。也可以说，虽然严肃的艺术与通俗艺术都是人类劳动、制作的产品，但是产品本身的结构却大不一样。严肃的艺术是一种生命有机体，它具有和生命本身同样的尊严与地位。而通俗艺术则是一种机械装置，它是对于人的某种实用目的的机械再现，服务于人的生理感觉的工具。这里可以艺术杰作与二流作品比较来说明。艺术杰作都是审美变形的产物，它是对于现实对象的加工改造之产品，正如鲁道夫·阿恩海姆指出：“诗人并非不加区别地引用具体细节，而是强调那些对他说来能使主题获得艺术想象力的个别特征。……由于它充满活力的具象性，因而把杰作与二流作品粗陋的枯燥无味特性相区别。二流作品不足以超越它所呈现的特定状态，而杰作则涵盖了从感官知觉到经过提炼的思想这一人类经验的整个范围。”(胡经之等主编：《西方二十世纪文论选》第一卷，中国社会科学出版社1989年版，第246页。)在这个意义上，一件艺术品，它与自身的物质材料与实用目的距离越远，也就愈具备一种真正艺术品的内涵。如在中国曾经出现过一个非常有名的行为艺术，在这个行为艺术中表演者要杀死一头牛，掏出内脏，然后赤身在牛肚中呆上10分钟——这样的行为不管它要表达的艺术理念有多深刻，它以刺激人的生理感官为目的的实用性特征是抹杀不掉的，这与严肃的艺术构成了极大的不同。
　　从艺术消费的角度看，艺术本质作为一种审美幻象形态，它与一般的生活消费品有着很大的不同。一般生活品都是一次性的，不管它多么经久耐用，它总是不断地丧失其固有的使用价值，直到它彻底被耗尽。而艺术作品则与此不同，它是那种有生命的、具有永恒魅力的东西。从这个意义上讲，严肃的艺术与通俗艺术的区别在于，后者本质上更近似于一种生活消费品。然而通俗艺术作为一种精神消费品，它对于严肃的艺术与人类精神的健康发展却产生了许多负面影响。严肃的艺术的消费对象是审美幻象本身，对于审美幻象消费得越多，人的审美本质力量也就获得更高程度的满足，是丰富与提高人性的重要精神实践活动。而通俗艺术则往往通过反文化、反理性的方式来消费人性本身，在这个过程中，人们对于纯粹娱乐性的通俗艺术消费得越多，人自身的文化异化也就更加严重，人性也就越加苍白而人生的价值内涵也就愈加贫乏。因此对于通俗艺术的危害性予以批判性审视，也就成为当代艺术文化批评一个重要课题。
　　从价值形态角度讲，严肃的艺术与通俗艺术的区别在于，前者是一种具有永恒艺术魅力因而可以反复消费的东西；而后者则是一种一次性的“用过就扔”的东西。这也是因为对于严肃的艺术的消费活动，同样是存在着一种审美变形过程，它的每一次变形，实际上也都具有一种再生产的增值意义。也可以说，严肃的艺术的消费结构具有两个层次，它们就如同读者反映批评理论所说的艺术魅力恰恰是在消费活动中才产生和得到证明。而通俗艺术作为一种商业文化用品，它只有一种本文(Art-effect)结构。例如当代的各种流行文化，著名的波普艺术家汉密尔顿在1957年这样表达通俗艺术的品质：“通俗、短暂、消费得起、风趣、性感、噱头、迷人。还必须是廉价的，能大批量生产的，年轻的而又能挣大钱的。”([英]爱德华·卢西·史密斯著：《1945年以后的现代视觉艺术》，陈麦译，上海人民美术出版社1988年版，第114页。)
　　“永恒的魅力”根源于消费活动中积极的审美想象力，由于这种想象力只同对象的形式结构发生联系，所以它不会因为功利性内容而丧失消费欲望与热情。而“用过就扔”的消费方式，则是消费主体通过对象的功利结构来消费主体自身过剩的生理性欲望，所以一旦这种主体的生理欲望得到宣泄，艺术作品本身所具有的“消费”价值也势必荡然无存。以1998年轰动世界的电影《泰坦尼克号》为例，它正是依靠凭借雄厚财力和高技术工具所重建的视觉真实，以及巨额广告宣传来激起观众的充满功利性的消费欲望的。而一旦这种根源于“物”的“人的感觉”与“欲望”得到宣泄与满足，它也就必然成为一种类似吃剩的饭菜一样，所以其来也迅速，其去也仓促，所以要不了多久，这条曾经不可一世地在世界各地登陆的巨船，也就被彻底遗弃在记忆的海底。这也正是人们与传统的经典艺术相对应，把当代艺术称为快餐艺术的根源，它只能暂时满足人们的生理性饥渴，而不可能满足人们真正的精神需要。正如阿尔多诺对于当代大众文化的批评：“文化工业通过不断地向消费者许愿来欺骗消费者。它不断地改变享乐的活动和装潢，但这种许诺并没有得到实际的兑现，仅仅是让顾客画饼充饥而已。”([德]阿多尔诺著：《启蒙的辩证法》英文版，伦敦1979年，第120页。)
　　以工业复制与现代传播技术为物质手段的大众文化艺术，在20世纪60年代以来正在以不可遏制的势头成为一种全球化的文化景观，各种文化形象、照片、摄影、电视、电影，以及它们像商品生产一样的复制和大规模的生产，使当今世界已被各种文化幻象所包围，它们遮蔽了现实事物与艺术作品本身的真实性，导致了社会和世界的非真实化，并且在当代社会中形成一个强大的物化机制，深刻影响了人类的生活方式与审美方式。对大众艺术文化必须要有清醒的认识，它作为20世纪人们解决现代技术文明弊端的精神方式，虽然可以帮助当代人摆脱人性分裂而进行的席勒式的斗争；但由于它本身一方面以生理宣泄破坏了主体的艺术感觉，另一方面它借助现代传播技术又成为一种控制人自身精神生产的工具，所以它决不是真正的艺术以及人类的心灵解放方式。
　　大众文化艺术对于人类自身的负面影响已经被许多西方学者注意到了，就大众文化艺术对于主体艺术感觉的影响角度说，它表现在艺术消费的新闻化与商业化，它否定了人类个体在审美活动中的主体性，这时艺术消费也就必然成为一种剥夺人自身、异化人自身的工具。正如托夫勒所指出的：“在这些大规模的传播媒介工具中，从报纸到广播、电影、电视，我们再一次发现了工场基本原则的体现。所有这些传播媒介工具，打上了完全相同印记的信息，传遍了千百万人的脑际，正如同工场铸造相同规格的产品，销售给千百万个家庭去使用一样。大规模制造出来的标准化的‘事实’，标准化的副本，大规模制造出来的成品，通过几个集中的‘思想工场’加工，源源不断地流向千百万消费者。没有这样广泛强大的情报信息通信系统，工业文明不可能具有今天这样的规模和发挥如此有效的功能。”([美]托夫勒著：《第三次浪潮》，朱志炎译，三联书店1988年版，第88页。)而且一旦这种精神工场取代了艺术生产与消费的个体性与审美创造性，它必然会按照某种观念形态来制造人本身，正如白瑞德所说：“机器不再只能制作物质产品，它也能制造心智。数以百万计的人靠着千篇一律的大众艺术——这是危害最大的抽象形式——为生，于是他们把握任何人类实在的能力，都在迅速消失。如果在寂寞大众当中，偶然有张面孔闪烁着人性的光辉，它会很快又因为电视荧光屏的催眠而消失。”([美]白瑞德著：《非理性的人》，彭镜禧译，黑龙江教育出版社1988年版，第271页。)
　　借助现代化的传播技术，当代大众文化已经控制了艺术文化生产与消费本身，所以如何回应当代这种文化艺术活动所带来的挑战，提升通俗艺术的文化品位与审美内涵，也就成为当代艺术发展中的一个首要问题。

对于一件艺术品的欣赏和分析，可以从艺术学和美学的角度来进行。
从艺术学的角度来看，可以对该艺术品的作者、创作背景、艺术形式、艺术语言、艺术技巧、艺术主题、艺术形象等方面进行分析和研究。例如，可以探究该艺术品的作者的艺术风格和个人特点，了解该艺术品创作的历史背景和文化背景，分析该艺术品所采用的艺术形式和艺术语言，如色彩、线条、构图、比例、空间等，探究该艺术品所表达的艺术主题和艺术形象，如人物、情节、情感等。
从美学的角度来看，可以对该艺术品的美学特征、审美价值、审美感受等方面进行分析和评价。例如，可以探究该艺术品的美学特征，如形式美、意境美、表现美等，评价该艺术品的审美价值，如创新性、表现力、感染力等，探讨该艺术品所引发的审美感受和情感体验，如愉悦感、震撼感、共鸣感等。
需要注意的是，艺术学和美学并不是互相独立的两个领域，而是相互补充的。在对一件艺术品进行分析时，可以从艺术学和美学的角度进行综合分析，全面地把握该艺术品的形式和内涵。

问题一：日本动漫为什么发达？ 从政治经济角度还是国家体制的问题，日本对于市场处于基本自由发展阶段，受众大，竞争大，所以各方都不断创新避免被淘汰。再加上日本轻小说盛行，动画制作水平高，高人气作品通过漫画和小说积累人气，再通过动画音乐出售，前期就已经做好了市场铺垫，所以很多作品都能获得成功，制作公司盈利，继续制作，自然而然动漫产业越来越发达！

问题二：为什么日本动漫会有这么多中文 因为日本既有平假名也有古汉字

问题三：日本动漫为什么会那么吸引人？ 不是我踩自己中国的脸.中国漫画只适合给小孩看的.幼稚漫画.而日本漫画.已经把正确的文化.教育融入到漫画中.我们在看漫画的时候能看到的是主角甚至小角色特有的精神.这已经是一种教育.喜欢角色才会喜欢剧情.喜欢剧情才会追著剧情.包括我.现在也是在追著火影看.这是其一.日本漫画画风比较出众吧.不像我们中国的.蓝猫三千问.黑猫警长什麽的.

问题四：为什么中国动漫和日本动漫差距这么大 这个问题嘛。。。。
首先，我今年14岁以前很爱看国产动漫（主要是以前没看过国外的动漫），现在除了秦时明月以外基本神马国产动漫都不看了。。。。。
为什么呢？我给你找几个具有代表性的案例：
1.喜羊羊与灰太狼：号称中国最火的动漫。看了以后表示心寒。传说中国的动漫讲究有教育意义，但我怎么没看出来呢？在这里面灰太狼貌似是个反派角色，但我最讨厌的是喜羊羊，为么？他告诉我们，做男人不要听老婆的话，即使努力也不一定有收获，为了生存一定要卑鄙（这里面最卑鄙的是喜羊羊，不是灰太狼OK？）。看这个动漫就觉得是一个怪蜀黍追着一群正太萝莉玩。至于说画风，我就不解释了。。。。。。
2.大嘴巴嘟嘟：知道吗，我看了他差点晕过去。为毛？翻版蜡笔小新有木有？狠2B有木有？画风狠差有木有？
3.高铁侠：我7岁的时候（貌似）看过铁胆火车侠，尽管不知道他讲的什么但我非常爱看，无论是动作流畅度还是XXX都很不错。但是拜托制作商能不能别这么坑爹？你多少把造型换换啊？这让看过铁胆火车侠的人们情何以堪啊？
4.美猴王：吴承恩在天有灵一定会气活的，跟原著差距大不说（当然这是可以原谅的），白白浪费了他的画风（画面跟前几部作品比起来算不错了），而且看完整篇我也不知道有啥教育意义。话说孙悟空跟天庭合作了，最后他是怎么被如来压住的？
5.偷星九月天：非常火的漫画，表示本人非常爱看，但是他们敢把它拍成动画片么？不敢，为什么？“血腥”、暴力、有恋爱成分、没有教育意义。话说X尼玛的电视剧，看个动画片要啥教育意义？看动画片能把人看好了？你当着看动画片的都是小贫友啊？（爆粗口了，咳咳。。。）
6.部分动画片：某些带有篡改历史成分，剧情不错，画风一般的动画片，结果会怎么样呢？被禁播呗~本人以前看过Q版刘关张，这确实是搞笑动画中的极品，但后来貌似被禁播了，为毛？不尊重原著呗~话说我想问一句，三国演义就是100%的真实历史吗？里面不是也包含了一些经作者改编的成分么？
总的来说中国动漫有以下几大特点：教育意义“强”、画面粗糙、配音难听（就像是照着剧本读）、剧情垃圾、风格幼稚、不含血腥暴力爱情成分、只求数量不求质量，就这些
想知道中国啥时候能出一部好的动画片么？等到喜马拉雅山没了，狗会飞了，你能在南极发现熊猫了，差不多就有了~

问题五：日本动漫产业为什么会这么发达 这是我从其他帖子复制过来的 虽然是2006年的观点 但是仍旧是适用的：（经典动漫的名字在最下方）
不可否认的一个事实是，在今天中国正在成长中的一代中，日本的动漫文化已经充斥着年轻人的每一个细胞，这里不必多言。。。。。。
我们且不谈为什么中国的原创动漫为什么不能吸引中国人自己的眼球？为什么还是不能突破----所谓的，动漫，永远只是适合于低龄儿童的，只是教育的手段----这种极其幼稚和低级的中国动漫定位理念！！
先说说日本动漫，如何看待动漫，至少从日本动漫中，我感受到它是人们寄托自己的理念，梦想的一个载体。就如同电影，电视一样，是一种 思想的表现形式。可以通过这个载体痛斥现实社会的黑暗，可以激起人们奋斗的勇气，可以唤醒人心深处，那最为宝贵的财富---爱！！.......甚至说句极端的话，日本动漫中一些情节设定想象不要说成年人，恐怕连我们的一些军事专家都会感叹日本人（一个漫画人）深厚的专业素（即使不合实际，但至少中国的动画创作者连这一领域都未曾涉及）这里稍举一个细节方便理解：预测到未来新的世界大战，中子干扰技术（以破坏全球的通讯为代价）的实现使得核弹成为废铁，等等
――当然我的专业不是理科，对中子干扰并不十分清楚，你会笑我异想天开。但这里，我想：至少可以向那些自以为很了解动漫的大人长辈传递这样一些信息：
1，日本的动漫不单单是给小孩子看的励志片，其中包含着大量对人生，对社会的看法。甚至有一些反思非常的精辟，深刻。
2，日本的动漫的确有很多充斥着低级，色情等等负面的因素，但那只是其中的一部分。我们更加应该具备分析信息，提取有用信息的能力。
如果您是个真正负责的家长，我建议在看日本动漫时，您也应该为日本动漫分级，真的有些动漫绝对不适合小孩观看！我的理解：（仅供参考）
16岁以下：火隐忍者，网球王子，圣斗士等（多是单纯的励志类：“我们怎样战斗？”）
16岁以上：高达SEED，高达SEED-DESTINY，蒸汽男孩等（涉及对人生的思考，对社会的感悟：“我们为什么要去战斗？”）
20岁以上：新世纪福音战士等（应该理性的欣赏，带有作者很强的主观色彩：“我们为什么会存在这个世界”）
3，通过某些动漫的思想，我可以深刻地感受到，在日本，绝对不是每一个日本人都是反华的，都是好战的，都是极端主义者。他们中有一些人，是痛恨日本当前这种“唯利是图”社会现实的，是同样希望一个美好未来。
4，这种对人性美的颂扬，对人生多一些温暖，多一些关怀的诠释，我想不仅仅适用于物欲横流的日本社会，同样适用于今天我们中国这个各种思想交织，冲突的社会。
5，我不知好莱坞有没有独具慧眼的导演，如果把高达SEED系列（我并不否认这部高达抄袭了很多以前经典高达的一些重要情节，但是完全从一部动画的角度看，我认为它是成功的）拍成电影，我敢说，它的票房会是《星球大战》的十倍以上。
现在谈谈我们的中国动漫，自从它诞生的那天起就被赋予了其所不能承受之负，打上了深深的思想教育，灌输的政治烙印。现在想想，有必要吗？人生是在经历中不断成长，不断感悟，而不是靠思想上毫无逻辑推理的直接灌输！真不知道，这种有意无意封杀的决策者起初有没有预见到今天，中国动漫在中国年轻一代中的彻底没落，市场上弥漫着日本动漫文化――这一令人无奈的结果？？
我们的现实社会需要――爱！
我虽然已经是一个快大四的学生，但却深深感受到通过一部日本动漫（GUNDAM SEED）让自己领悟到了一些书本上无法找到答案的人生哲理。不妨把话题扯远一点，我的专业是经济学。本专业核心的西方经济学原理。它主张市场竞争，以效率优先，以利润最大化，实现......>>

问题六：日本动漫为什么那么好看？？ 毕竟人家动漫不只是作为给小孩子看的东西，而是作为一种产业来发展的。 题材几乎没有局限性，基本上想超出日本动漫是很难了 人物，剧情怎么分析啊？不同动漫有不同的人设和故事设定。而且不只看这些吧？周边、声优、音乐等等也很重要。 前面几位说的其实都只是日本动漫的一小部分，我基本上什么类型的都看过，因为日本动漫已经相对成熟了，所以垃圾类的动漫作品也很多，但总体来看，符合了各个年龄层的审美观和人生观。这点我估计在最近几十年国内是无法做到的。 所以我不会举例那部动画怎么怎么样，因为根本无意义！我们根本不可能去窃取他们的东西。最近还一直爆出国内动画大作抄袭日作的丑闻。还有动漫音乐被流行歌手抄袭。 你所提问的动漫要怎样才能完美。首先我想说，世界上本没有完美的东西。完美对于每个人的定义都是不同的，不可能我认为不错的动画你就一定会喜欢。 其次。日本的动画优秀与垃圾并存，不过他们有产业链，会自我调整。 再次，我个人认为国内的动画不可能完美。这取决于国情，你无需抱怨。。不过给低龄的小孩子看还是绰绰有余的~~ 所以不要想的太深，这样思考会很累的，自己享受动漫就好了嘛^^

问题七：日本动漫为什么被禁 违规动漫涉及暴力色情
本次查处的违规网络动漫主要有三个类型：一是含有暴恐内容，宣扬以暴制暴思想，美化暴力、恐怖袭击和犯罪活动，如《东京残响》。二是画面血腥恐怖，令正常人极度不适，如《Blood-C》。三是以色情元素吸引眼球，格调低俗不堪，如《学园默示录》。
文化部文化市场司相关负责人说，根据互联网文化管理暂行规定和互联网视听节目服务管理规定，网络动漫不得含有诱导未成年人违法犯罪和渲染暴力、色情、赌博、恐怖活动、危害社会公德的内容。

问题八：为什么日本动漫那么强 因为中国人认为动漫就是给小孩看的，所以做的比较幼稚，都是猫啊狗啊卡通化的。而日本则认为，动漫不一定是小孩看的，大人也可以看，所以他们做的动漫都比较高智商，好看，都是很帅的二次元人物。

问题九：为什么日本动漫很好看？ 中国动画基本都是被广电老头掐着脖子做出来的，中国不缺人才，问题是人才都被广电老头枪毙了……
下面动漫制作人员的自述基本说明了中国动画的悲惨现状：
不说太多
第一,在制作的时候,我们经常为经费发愁,原因很简单,缺少投资,国内市场对动画毫不重视,或者说对他的商业价值认识不足.比如最近我一个同行参与的某30话某动画,原定经费是280万,结果一砍再砍,到最后不足计划经费的百分之40,导致很多原本需要专业人氏制作的底层东西,全靠他们剧组在摸索制作,导致周期爆长，整个制作完全围绕在省钱两个字上。
第二，很多剧情无法制作，其实这个时代的动话制作者，自己大多也在看日漫，网络小说。什么剧情受欢迎，其实大家都清楚。但是知道归知道，制作归制作。可以无奈的讲，那些受欢迎的剧情，不是不能做，而是不敢做。因为做了全是浪费掉，根耿不能通过审批，如果上面良心大发，宽容一点，就是把内容一砍再砍。
第三，美工问题。完全不缺少动漫美工人才，日本的众多动漫，有N多都是中国人在制作底层美工，甚至有不少这样的公司。或者业余的美工爱好者。比如高达 SEED，几乎美工几乎全是在中国制作。因此真给我们足够的资金，目标是做一部日本风格的动画，那实在太简单了。可惜，做的不是日本风格，而中国的风格，老实说，行内乃至所有中国动漫爱好者至尽没摸索到头绪。我们没哪个钱去请人。严格说，经常为两三千块的经费把脑子想爆炸。这个可能是行外人不能想象的吧！
第四，剧本重视不足，或者说动画的灵魂，漫画，在中国完全没有发展起来，原创动画剧本，很遗憾的说，中国没有专门从事这个行业的人。而反观日本，专门有一大票这样的人在吃行饭。外行创作的剧本，或者说根本是为了赶工，制作出来的东西，没内容，没水准，受政策制约，本来先天就不足，再加上被国内审核方式限制了手脚，真的很难。
第五，大家在说蓝猫怎么怎么垃圾。不过大家晓得不晓得蓝猫乃至周边赚了多少钱，他的投入又是多少。如果我说，蓝猫的收益可以比拟中国20年动画的总和收益总和的两百倍，不晓得有没人会相信。这部动画我不评价，但是在中国，只有做这种类型或者（包括制作流程）才能赚到钱，我不晓得大家信不信。如果中国制作全金属狂潮（我个人比较喜欢），有人投资就可以做的出来，但是我可以保证，投入多少就赔多少，不会有一家电视台会播放，不会有任何一个国内发行商会买。
第六，看到总是说中国动画工作者技术上比不上国外。或许3D技术上，中国还不成熟，但在2D上，我可以肯定，我们完全不落后旁人。25钟的动画，日本、分镜稿大约有3-7万张以上。我们呢，以十除吧！日动画，制作人员有多少，我们以20除吧！经费上，估计快要以百除了。日本一部OVA大约都是4千万人民币左右的制作成本。我们呢，给50万烧高香了。
没钱自然没技术，没钱自然没办法把所有底层交给专业人员。而且他们大多在为国外打工。没钱自然谈不上什么宣传，谈不上什么配音阵容，谈不上什么动画的分镜头的衔接，因为大家都在赶，周期越长，经费越紧张。根据我知道的，有部分中国动画，在没制作完成就假死了，N久之后，筹到点钱，就匆匆受尾。
行内的情形就是这样。为什么这样，很简单，中国消费动漫的有多少人，有多少人是花钱来看，花钱来供应这个市场的，没有钱，没有钱，没有钱。很无奈，因为大家的收入比起国外，次的很远。中国没有多少人会因为喜欢蝙蝠侠，而去买上万本不同版本的正版漫画版全餐，上千种的正版动画影碟。以及能堆成山的正版周边产。音乐CD。等等等等。
原因是中国动漫爱好者，都不愿意把钱花在我们动画的身上。在网上看着免费的动画，几......>>

问题十：为什么日本动漫在全世界特别受欢迎？ 一、日本动画绝大部分都是在用心去做，无论是作画、CG、声优、脚本还是编剧上都有专业人士负责，尤其是作画和CG这两块，这里的作画特指原画师，也就是依靠手绘板手动绘制画面而不是用CG去做画面的专业人士，中国的原画师非常稀缺，漫画画的好的人又不想去做原画师，理由待会下面会说。
二、上面说到了声优，也就是俗称配音演员的“声音提供者”（直译），声优在日本是一个非常强大也非常庞大的专业职业群体，并且发展时间非常长，日本专门开设有声优培养学校和声优事务所，前者培养声优，后者将一些有才华或者有特点的声优聚集起来进一步培养，然后这些声优就可以接单干活了，声优的路并不好走，就如同动漫《那就是声优！》里提到的一样，能进事务所的声优并不一定就能连续接活，接到了活也不一定就是重要角色（比如主角一之濑双叶最初配的角色是个坏掉的机器人，仅有一句台词还不是人类的语言），就算是重要角色，如果这个动画不火，那这个声优也一样无法出道，因为没人知道TA也没人会关注TA，所以声优并不是很多人说的日本人种族天赋，声优和其他职业一样，都是刻苦训练出来的，日本人只是很擅长这种训练和培养而已就如同韩国人擅长培养明星一样，但和棒子的速成明星保质期短不同，声优只要培养出来并且热度开始提高的话，那么这个声优就可以说是开始迈进黄金时期了，并且这个黄金时期会持续很长一段时间，比如日本知名女声优堀江由衣，她于1997年出道，一直到现在热度和知名度都丝毫不减，还有更老一代的声优比如给柯南配音的高山南，我们可以把高山南的出道作看成是1989年《乱马1/2》里的天道靡，她出道得比堀江由衣还要早（毕竟年龄大……），但现在仍然在很多柯南以外作品里有出现，比如前段时间大热的Web动画《一拳超人》里的童帝、《Love Live!学院偶像电影》（LL剧场版）里帮助穗乃果的无名街头歌手……等等。
反过来看看中国的配音演员，很遗憾，我不敢把中国的配音演员叫做声优，在我心里声优特指日本声优和一部分欧美演员（比如CG动画电影《穿靴子的猫》中给靴子猫配音的安东尼奥・班德拉斯、漫威电影《银河护卫队》中给火箭浣熊配音的布莱德利・库珀），我只敢把中国配音演员叫做配音演员，因为他们在配音的时候那声音简直如同在播新闻，这在日本那边叫“棒读（棒iみ）”，完全没把自己代入角色，完全不带感情的在那念稿子，这有什么意义？
第三就是作画，作画这一块，虽然现在国内的一些动画片在画面上做得都还凑合（比如全CG制作的《纳米核心》），然后最近出现的两部CG动画电影《大圣归来》和《大鱼海棠》在画面上确实是比以前要好太多，但站在一个学过3年美术基础和3年动漫设计的艺术生的角度来说，这仍然是有问题的，因为……这是CG动画，不是手绘，画面看着牛逼但这不是硬实力，第一段文字里我就已经说了，中国是很缺原画师的，真正敢拿笔杆子和手绘板好好画一个至少在画面上制作精良的动画出来的实力派原画师真的少之又少，而CG又比手绘简单太多，也不要跟我说CG比手绘难，CG就是拉个框架建个模涂个色然后让它动起来的事，手绘的话你要自己手工画出全部的线条还要力求落笔准，还要一帧一帧的去处理动作……当然我不是鄙视CG，CG技术在日本在欧美都很成熟，尤其是欧美的CG动画电影和那些科幻电影里的CG特效（比如变形金刚），而国内那CG技术……我不想多吐槽什么，你们自己去看看那部号称斥资400W的《雷锋的故事》就知道了，那就是最典型的“中氏CG动画”。而看看日本那边，有个最有名的例子就是动画《K》，这部动画不仅声优阵容强大到堪称声优不要钱，并且本身的作画也是非常精良的，正是这两......>>