如果想最直观地体验一下文艺复兴时期的魅力，应该从何入手呢

500年来，人们一直对《蒙娜丽莎》神秘的微笑莫衷一是。不同的观者或在不同的时间去看，感受似乎都不同。有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时像是略含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。在一幅画中，光线的变化不能像在雕塑中产生那样大的差别。但在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴影时隐时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。而人的笑容主要表现在眼角和嘴角上，达·芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的“神秘的微笑”。

哈佛大学神经科专家利文斯通博士说，蒙娜丽莎的微笑时隐时现，是与人体视觉系统有关，而不是因为画中人表情神秘莫测。利文斯通博士是视觉神经活动方面的权威，主要研究眼睛与大脑对不同对比和光暗的反应。利文斯通说：“笑容忽隐忽现，是由于观看者改变了眼睛位置。”她表示，人类的眼睛内有两个不同部分接收影像。中央部分(即视网膜上的浅窝)负责分辨颜色、细致印记。环绕浅窝的外围部分则留意黑白、动作和阴影。据利文斯通说，当人们看着一张脸时，眼睛多数集中注视对方的双眼。假如人们的中央视觉放在蒙娜丽莎的双眼，较不准确的外围视觉便会落在她的嘴巴上。由于外围视觉并不注重细微之处，无形中突出了颧骨部位的阴影。如此一来，笑容的弧度便显得更加大了。不过，当眼睛直视蒙娜丽莎的嘴巴，中央视觉便不会看到阴影。利文斯通说：“如果看着她的嘴巴，便永远无法捕捉她的笑容。”蒙娜丽莎的笑容若隐若现，源于人们的目光不断转移。利文斯通指出，若要临摹《蒙娜丽莎》，描绘口部时便要望着别处。

确实，在不同角度不同光线下欣赏这幅画，人们都会得到不同的感受。那微笑时而温文尔雅，时而安详严肃，时而略带哀伤，时而又有几分讽嘲与揶揄，神秘莫测的微笑显露出人物神秘莫测的心灵活动。

几百年来，“微笑”的新解层出不穷。诸如微笑不露皓齿是因原型虽典雅美丽却口齿不齐；原型因爱女夭折，忧郁寡欢，难掩凄楚之态；更有甚者，把蒙娜丽莎从贵妇宝座上推落下来，把原型贬为妓女，故而微笑中带着讥嘲和揶揄。

美国马里兰州的约瑟夫·鲍考夫斯基博士认为：“蒙娜丽莎压根就没笑。她的面部表情很典型地说明她想掩饰自己没长门牙。”

法国里昂的脑外科专家让·雅克·孔代特博士认为蒙娜丽莎刚得过一次中风，请看，她半个脸的肌肉是松弛的，脸歪着所以才显得微笑。

英国医生肯尼思·基友博士相信蒙娜丽莎怀孕了。他的根据是：她的脸上流露出满意的表情，皮肤鲜嫩，双手交叉着放在腹部。性学专家推测：蒙娜丽莎刚刚经历了性高潮，所以才表现出令世人倾倒的微笑。

还有一种近乎无稽之谈的说法：她的表情就像吃了苯氨基亚胺似的，显得很陶醉，这是吃完巧克力后人体内产生的一种欢愉激素。这种说法很少有人相信，因为当时还没有巧克力呢。

画中，左边的地平线比右边的低，蒙娜丽莎的左侧看上去比右侧大。历史上左边代表女性，体现达·芬奇崇拜女性。电脑分析显示，蒙娜丽莎和达芬奇自画像的脸部有多处相似，可能蒙娜丽莎就是达·芬奇本人，埃及传说中主管男性生殖器的神叫阿蒙（Amon），主管女性生殖器的神叫伊西斯（Isis）——古代文字中曾将其读做L'ISA，因此Mona Lisa就是暗示AMON L'ISA，即蒙娜丽莎非男非女，是两性的融合体。

《蒙娜丽莎》真伪之谜
按照以往的说法，达·芬奇的《蒙娜丽莎》收藏于巴黎的卢浮宫。但在收藏界却有一种说法称，挂在卢浮宫的不是《蒙娜丽莎》，真正的《蒙娜丽莎》是在伦敦一所公寓的墙上。

这间寓所和这幅作品的保管者普利策博士说，《蒙娜丽莎》完成后，作品就留在了丽莎·德·佐贡多家。后来，又有一个贵族请达·芬奇为他的情妇画一幅肖像，这个被称为“拉乔康达”（意为“微笑的人儿”）的女子，和蒙娜丽莎长得很像。于是，一时懒惰的达·芬奇把《蒙娜丽莎》的脸部换成拉乔康达。画作完成后，那个贵族抛弃了拉乔康达，因而没有买下这幅画。后来达·芬奇应弗朗西斯一世的邀请去法国，带去了这幅画。普利策说，使卢浮宫增添光辉的是拉乔康达的肖像画。《蒙娜丽莎》后来流落到英格兰，本世纪初被一家博物馆馆长、艺术鉴赏家威廉·布莱克买下，后来又为瑞士一财团收购，普利策便是其中的成员。

本世纪初，曾经有许多人大规模地复制、伪造艺术名作，有理由怀疑伦敦的那幅是赝品。但是，普利策博士对他的这幅画的真实性深信不疑。他用显微摄影技术证实，伦敦这幅画上的指纹同达·芬奇其他作品上的指纹相同；根据记载，蒙娜丽莎比拉乔康多年轻19岁，被画时披着一条表示悼念的面纱，在两幅画中，只有伦敦那幅显示一个更显年轻的女人披着漂亮的面纱；另一个证据是，拉斐尔当年在达·芬奇作这幅画时曾经作过速写，速写中的蒙娜丽莎背后有两根圆柱，这两根圆柱出现在伦敦的肖像画里，而卢浮宫那幅的背景是山崖、小径、石桥、树丛与潺潺的流水。

几百年以来，不少收藏家各自声称他们藏有真正的《蒙娜丽莎》,数量居然达60幅之多。更有趣的是，美国缅因州伯特兰美术馆在1984年收到一幅《不微笑的蒙娜丽莎》，经测定，此画确实是当年达·芬奇的手笔，画中的人物除了不微笑以外，其余都酷似蒙娜丽莎本人。专家由此推测，这幅《不微笑的蒙娜丽莎》可能是作者同时画的一幅底稿。

还有一种说法认为目前卢浮宫内收藏的《蒙娜丽莎》是一幅赝品，其依据在于1911年发生的那起盗窃案。在那起盗窃案中，《蒙娜丽莎》失窃。两年后，它出现在意大利，但是画面上蒙娜丽莎身后两旁的廊柱已经被切掉了。几年后，《蒙娜丽莎》被归还卢浮宫。但许多专家都认为，这次失而复得只是一场烟幕，真正的《蒙娜丽莎》已经被一位富有的收藏家重金收购，挂在卢浮宫内的只是一件赝品而已。
《蒙娜丽莎》背景之谜
加利福尼亚大学教授卡罗·佩德雷蒂认为，蒙娜丽莎身后的背景是意大利中部阿雷佐市布里阿诺桥附近的景色。佩德雷蒂的证据是，达·芬奇出生在距阿雷佐约100公里的芬奇镇，并曾经在阿雷佐生活过，这一地区的原始景观与《蒙娜丽莎》的背景几乎完全一样，因此，达·芬奇很有可能采用这一地区的田园景色作为《蒙娜丽莎》的背景。当佩德雷蒂的这一观点在达·芬奇绘画国际研讨会上宣布后，许多美术史专家都对他的研究结果表示肯定。
《蒙娜丽莎》死因之谜
按照记载，丽莎·迪·格拉尔弟尼在46岁时抑郁而死，但一位日本心脏病专家说他发现蒙娜丽莎的左眼上有一块黄斑，这是胆固醇含量过高的征兆。这个日本心脏病专家说蒙娜丽莎应该死于心肌梗塞。

《蒙娜丽莎》身世大白
几百年来，有关画中女子真实身份的论证从未停止过。德国海德堡大学专家在图书馆的历史文件书页旁注笔记中获得最新线索，揭开了蒙娜丽莎的身世之谜。
海德堡大学专家宣称，通过分析图书馆内一本约500年历史的藏书页空白处潦草的笔记，他们可以确认，这位有着神秘微笑的女子闺名丽莎·盖拉尔迪尼，是意大利佛罗伦萨布商弗朗切斯科·德焦孔多的妻子。这份文件由大学笔迹部负责人阿迈恩·施勒希特博士两年半前发现。文件原所有者阿戈斯蒂诺·韦斯普奇与达·芬奇熟识，是当时佛罗伦萨政府官员。他文件空白处所留笔记中，把达·芬奇比做古希腊艺术家阿佩莱斯，说达·芬奇正同时创作3幅作品，其中之一便是丽莎·德焦孔多的画像。文件标注日期为1503年10月，与专家判断作品完成的大致时间1503至1506年间刚好吻合。
《蒙娜丽莎》是法国巴黎罗浮宫(前译“卢浮宫”)的镇馆之宝，也被称为“德焦孔多夫人”，其中的姓氏在意大利语中有欢欣快乐之意。

《蒙娜丽莎》原型之谜

500多年来历史学家们一直为达·芬奇名画《蒙娜丽莎》的原型众说纷纭，争论不休。尤其是画中人脸上神秘的微笑是人们猜测的不解之谜。最近，意大利佛罗伦萨市一位普通教师吉乌塞普·帕兰蒂又提出了新的说法，蒙娜丽莎是一位有5个孩子的“家庭主妇”。
据英国《每日电讯报》1日报道，帕兰蒂对佛罗伦萨市档案进行了长达25年的研究，而后得出一个结论：《蒙娜丽莎》原型是达·芬奇父亲一位朋友的妻子丽莎·格拉迪尼，她是一名有5个子女的家庭主妇。
据帕兰蒂考证，丽莎在1495年16岁时嫁给佛罗伦萨丝绸商人弗兰西斯科·吉奥康杜，而吉奥康杜则是达·芬奇父亲皮耶罗的好友兼邻居。丽莎是吉奥康杜的第二任妻子。这对夫妻的感情很好，育有5个子女。吉奥康杜在自己的遗嘱中称，丽莎是他“心爱的”和“忠实的”的妻子。
帕兰蒂认为，《蒙娜丽莎》的画像完成于丽莎24岁那年。达·芬奇的父亲安排了一切，自己花钱让儿子为朋友的妻子画了这幅画。当时达·芬奇正被一场财务纠纷所困扰。他的父亲大概想通过这种方式来帮助自己的儿子。
在关于《蒙娜丽莎》原型的传说中，有人说画中人是当时佛罗伦萨城内的一个名妓，也有人说画中人是达·芬奇本人的女人版自画像。去年，一个名为谢文·纽兰德的美国教授声称，他已经发现了《蒙娜丽莎》微笑背后的真正秘密。《蒙娜丽莎》脸上之所以永远带着微笑，是因为画中的主人当年在做达·芬奇的模特儿时正好怀了身孕，是一个母亲对新生命即将诞生时产生的那种神秘的微笑。
目前，帕兰蒂正趁暑假期间把自己的研究成果整理成书，计划在8月正式出版发行。
达·芬奇《蒙娜丽莎》原画蔵于巴黎卢浮宫。但是几百年来，收藏家们声称自己收藏的《蒙娜丽莎》画作竟达60多幅。

《蒙娜丽莎》失踪之谜

因乔迁展厅要中断展览，30年来第一次将在卢浮宫展厅里“消失”
《蒙娜丽莎》一直在卢浮宫中默默向观众微笑。今年4月4日她终于可以休息一天了。
本报综合报道 4月4日，游客们将不会在卢浮宫看到《蒙娜丽莎》那迷人的微笑。根据卢浮宫的声明，《蒙娜丽莎》将于那天乔迁展厅，“休假”一天，这将是这幅名画30年来第一次在卢浮宫中断展览。
卢浮宫方面在声明中说，时隔4年，《蒙娜丽莎》将于4月4日那天搬迁到重新装修过的旧展厅中去。2000年时，因为旧的展厅年代久远，保存条件和安全措施都存在问题，因而卢浮宫将《蒙娜丽莎》转移到了现在的临时展厅之中。
根据馆方的解释，中断展览一天将是无可避免的，因为在那天工程人员需要给搬迁后的《蒙娜丽莎》安装照明设施和特殊的反光玻璃，以及设置更合理的参观路径。为了避免到时慕名而来的大批游客失望，卢浮宫已经通知了全世界将近6000家旅行社，同时在自己的主页上用10种文字做了说明。
达·芬奇名画《蒙娜丽莎》是卢浮宫最负盛名的艺术品，据统计，卢浮宫90％的参观者都不会错过这个“微笑”。博物馆的纪念品店每年售出的《蒙娜丽莎》纪念品超过33万件，包括明信片、磁铁和拼图。
自1789年卢浮宫成立，《蒙娜丽莎》入住以来，除了几次意外事件外，馆方一直避免中断此画的展览，按照该馆一个工作人员的说法，“伦勃朗、提香和格里柯都可以被束之高阁数周，但《蒙娜丽莎》不可以”。甚至这幅名画的监护人本人都只能在卢浮宫闭馆的时候接近此画，进行研究工作，对此画的X光探射研究就是在半夜进行的。
《蒙娜丽莎》最后一次在卢浮宫参观者的视野中消失是在1974年，那次，她远渡重洋去了日本巡展。据专家估计，今后这样的巡展将不太可能再发生，而升级后的展厅也有足够的能力应付每小时1500人的游客流量，因此今年4月4日很可能是很多年内《蒙娜丽莎》惟一的一次休假。

说不尽的蒙娜丽莎
蒙娜丽莎，这是一个永远探讨不完的问题。自问世至今，将近五百年，后人不知做过多少品评和揣测，留下越来越多的迷局。当今，世上有研究《蒙娜丽莎》的专著数百部，而有近百名学者将此画作为终身课题。时间的推移不会使疑团得到解决，只会随着研究的深入，将更多的疑惑留给后人。

人们过分地喜爱她。无止境地探讨她那难以觉察的、转瞬即逝然而亘古不变的微笑，那洞察一切而又包容一切的眼神，那端庄沉稳的姿态，高贵而朴素的装束，以及无懈可击的完美构图。人们惊叹：列奥纳多，惟有列奥纳多，上帝一样的智慧，才能采集那么多美的元素，将众多美好合为一个完美。于是，美、智慧、永恒，三位一体，极致的搭配，再无超越的可能。就这样，蒙娜丽莎带给人们无限美好的遐想，也给人们无限沉重的压力。人们既愿意栖身她的庇荫，吸取滋润的营养；又渴望走出她的阴影，呼吸自由的空气。多少年了，无数醉心绘事的人，都为这一重矛盾所困扰。

这是一个神话，它与达·芬奇无关，完全是后人制造的。神话像雪球，随着时间的推移不断滚动，无限膨胀，最终连神话的制造者也被吞没。如今，蒙娜丽莎坐在卢浮宫一处显要的位置，隔着厚厚的防弹玻璃，每天以我们熟知的、神秘而永恒的微笑迎候数以万计的来访者。这些朝圣般的观众心中装着各式疑问，他们渴望通过这一张温柔娴静的脸庞读出答案，然而离开时却将更多的问题带走。问题是五花八门，许多与蒙娜丽莎并无关系。有人会问：蒙娜丽莎究竟是画中人的名字，还是微笑的别称？画中人究竟是银行家乔．贡多的妻子，还是伊萨贝尔王妃？此画确有真人模特，还是凭想象画成？画中人物没有眉毛，这是当年佛罗伦萨的审美时尚，还是像某人所说，其人正在怀孕，是妊娠反应？画中人是否刚经历流产的伤痛，所穿衣裳是丧服？蒙娜丽莎那令人迷惑的表情真的是微笑吗？难道不是面部麻痹症造成？蒙娜丽莎到底是男是女？其原型是否就是达．芬奇本人？问题越问越离奇，距离画本身越来越遥远，不仅无助于解读该画，反而将人不断引向迷途。

其实，有些问题已经构成了对《蒙娜丽莎》的亵渎，只是提问者尚未觉察。蒙娜丽莎是男是女，这还用得着问吗？任何一个对性别有感知的人都不该对此产生疑问，可是有人偏要提出如此荒唐的问题。有人说蒙娜丽莎给人的感觉是中性的，至少她不会给人产生性的诱惑。试问，难道惟有性感才能构成女性美吗？如此，一幅肖像画与一幅色情照片又有多大区别？无疑，蒙娜丽莎是美的，她的美充分体现在人性美上，而不局限于女性特征；或者说，她的美已经超越了性别阻隔，但这并不等于连性别都分辩不出。对于显而易见的事实还要发出荒唐的疑问，若不是别有用心也是无聊之极了。面对一幅分明令人愉悦的肖像却偏要说甚么面部麻痹症，这简直令人愤慨。蒙娜丽莎表情是僵化的吗？瞬间的表情被定格就说成僵化，那真是荒唐透顶。微笑是难以描述的，专注中不自觉的微笑，友善的微笑，欣慰的微笑，或是略带嘲讽的微笑，那是每个人不同情绪下的感受，但笑意是毫无疑问的。至于有人感到蒙娜丽莎的微笑是常人难以企及的，因而断定此画不是以真人为模特，而是完全凭想象画成，这种论断也纯属多余。人们惊叹达．芬奇卓越的绘画技巧：画中人由面部五官到双手，再到身体的其他部分，包括衣着穿戴，每一处都那么真实可感，几乎伸手可及，这是凭空想象无法完成的。倘若没有真实人物作参照，达．芬奇纵然有天大的才气也不可能画得如此生动细腻。有人要问，画中人的眼神、她的笑意是那么遥远和不辩深意，那是其人所独有的吗？为什么今人就摹仿不出？其实这样的问题很好解答。每一个了解绘画的人都懂得，肖像画并不等同于人物原型。一幅好的肖像画首先要体现作者与表现对象间的互动；画家将自己的智慧、情感、人生理念、精神渴求等等都融铸进了画中人物，这样观众从画面上读到的肯定比真实人物要丰富的多。我们了解了达．芬奇的生平，认识了他在诸多领域的非凡造诣之后，上述问题也就迎刃而解。既如此，那么画中人究竟是谁的妻子、叫什么名字就不重要了，她是达·芬奇全部艺术才情的汇聚，也是他理想人格的集中体现。从这个意义上说，她不是任何人的妻子，她是一个超乎常规限定的完美人性。我们可以理解蒙娜丽莎为达．芬奇的精神肖像，但要说是以他本人为模特就显得太庸俗化了。有人通过电脑技术将达．芬奇的自画像与蒙娜丽莎作以对照，发现两者的基本结构惊人地相似，于是断定该画是以他本人为模特。其实这是吹毛求疵。相似不等于吻合，当然完全吻合是不可能的，正如画中人与真实人物也非完全相同；然而不同的人总有相似之处，并且相似性是主要的，差异却是微小的；更何况每一个画家描绘他人时总会不自觉地把自己的形象带进画面，因为画家对自己最熟悉；这点想来达．芬奇也不会例外。说到这些，其余的问题也就无须解释了。如果我们多读一些画，多接触一些画家，那么不着边际的问题就不会提出来了。

驳斥了上述一些问题，不是说围绕《蒙娜丽莎》的研究都是无意义。作为世界美术史上最具知名度的一件作品，必然会有无尽的问题为后人探讨。对于《蒙娜丽莎》人们过分熟悉，很难再产生新鲜感；然而醉心于此画的人，却是每看必有新得，各中奥妙怕是只可意会了。《蒙娜丽莎》不但是卢浮宫的镇馆之宝，简直是法国人的骄傲。当年《蒙娜丽莎》曾经失窃，千万人为之痛不欲生，政府则把当日定为“国难日”；而当它失而复得时，则举国欢腾，其盛况不啻于国家重获新生。法国人莫非忘记了，《蒙娜丽莎》本不该属于他们。在蒙娜丽莎的故乡意大利，拥有无法估量的艺术宝藏；却不曾拥有《蒙娜丽莎》，不能不说是巨大遗憾。这是世界上拥有最多发烧友的一幅画，不要说艺术界，单就政界要员对她的迷恋就令人诧异：大名鼎鼎的戴高乐总统每当心绪烦躁时，必驱车前往卢浮宫欣赏《蒙娜丽莎》，出来后便满面春风，原先的烦恼荡然无存；而蓬皮杜总统则公开承认无法克制对《蒙娜丽莎》的心驰神往之情。世纪伟人邱吉尔可谓是曾经沧海了，可他晚年有幸亲抚《蒙娜丽莎》时，竟无法控制颤抖的手指；铁娘子撒切尔夫人亦对《蒙娜丽莎》情有独钟，无缘享有真迹，就收藏了4幅赝品。看到这些事实，我们会产生疑问：一幅不大的肖像画为何竟有如此巨大的魅力或是震慑力，难道不是有一种神秘的无形力量在驱动么？

有些问题是难以回答的，我们先从《蒙娜丽莎》自身来认识。举世公认的真迹现藏卢浮宫，那是流传有序的。当年达．芬奇迁居法国，身边就带着这幅画；达．芬奇死后，《蒙娜丽莎》即为法国王室所拥有；卢浮宫建成后，此画就被永久收藏。然而，人们不解，现今看到的《蒙娜丽莎》与当初描述的不尽相同。莫非已经过他人做手脚了？的确，我们今天看到的画与当年达．芬奇初画的已经有了不小的差距。据说，当年拿破仑得到《蒙娜丽莎》，为了将它装进现成的镜框，裁去了画面左右各三厘米；原先的画上两侧有石柱，现在看不到了，只能看见一点柱础。按说拿破仑给此画造成了极大破坏，可我们今天却不会这么认为。在今人看来，《蒙娜丽莎》的构图是完美无缺的，人物身后的风景拓展了画面空间，又很好地烘托了人物内心世界，人物形象也极为突出；相反，两侧增加了立柱反倒觉得构图沉闷，视野欠开阔，人物形象也失去了单纯。拿破仑戎马一生，未曾对艺术有过特殊的关注，却在美术史上留下了显著的一笔，真是不可思议。看来神圣也不见得是不可动摇的。

我们现在看到的《蒙娜丽莎》是棕褐色调，略带些青绿色相，色彩简洁而沉静，朴素而凝重。我们以为画向来如此，其实不然。据达．芬奇同时代人对此画的描述，当时的画是色彩鲜艳，调子明快的，什么时候变成了现在的样子呢？当年法王得到了《蒙娜丽莎》，为了更好地保护它，在表面涂了过多的光油；历经数百年光阴，光油变成了暗褐色，像我们目前看到的色彩；画表面已经开裂，形成了蛛网般的细密纹理。保存状况不佳，那是令人惋惜的；然而，我们宁愿承认当今的《蒙娜丽莎》。单纯浑厚的色调与人物沉静内敛的精神气质相得益彰；深暗的衣饰、迷蒙的背景将人物脸庞及双手衬托得响亮动人；而均匀的裂纹则给人物增添了神秘气息，让我们欣赏她时带上更多的崇敬与神往。有人想通过现代科技手段除去表面油垢，恢复原先明丽的色彩；只是担心技术不过关，怕损伤画面。其实，倘若真的修复了，我们反倒会觉得陌生以至难以接受。

临摹名画是一种喜爱的表现，《蒙娜丽莎》就拥有世界上最多的临本。且不说今人的临摹，仅在达．芬奇时代就有好几个版本的《蒙娜丽莎》，那多半是达．芬奇的学生或助手临的。有几幅技巧拙劣，放在原作跟前不堪入目，不过其中也不乏佳作。在美国新泽西州也有一幅《蒙娜丽莎》，和卢浮宫的原作极为相似，只是构图略大一些，露出左右两侧的石柱（原作构图本来如此）。画上的蒙娜丽莎秀丽、清纯，更具人间气息。专门研究《蒙娜丽莎》的学者雷特认为这幅也是达．芬奇所作，而且是最初作品，该作表现出了人物的青春魅力；而收藏于卢浮宫那幅大约作于1513年。达．芬奇到了晚年技艺愈加炉火纯青，但多年过去，蒙娜丽莎已不再年轻，而多了些许成熟与深沉。这种说法颇耐人寻味，但毕竟只是推测，难以得到证实。多数人对此持否定意见，反对者认为：达．芬奇一生中创作的绘画屈指可数，他从未重复过自己的作品。不过，这种论断也缺乏说服力，达．芬奇本人就曾经画过两幅同样的《岩间圣母》 。既如此，那么他留下两幅《蒙娜丽莎》也非绝对不可能。据称达．芬奇画《蒙娜丽莎》前后耗费了四年时间或更久，那他在这其间画过一幅或多幅变体画的可能性是存在的。真伪鉴定会有专人去考据，而我们将新泽西州的《蒙娜丽莎》与卢浮宫的原作放在一起欣赏是别有趣味的。两幅画看去几乎一模一样，但仔细分析就会发现两者风格截然不同。新泽西的蒙娜丽莎看去更活泼些，娴静温柔中透出靓丽与清新；人物动态是平静自然的，毫无刻意临摹的那种拘谨与呆板；背景色彩反差较大，不似原作那般含蓄沉稳，却与该画的气氛极为协调。无疑，这是一幅佳作，但与原作相比就显得单薄了。当我们面对《蒙娜丽莎》原作时，不会有惊艳之感；那不是一位绝代佳人，似乎也不大年轻。蒙娜丽莎的手也被称为世界上最美丽的手。

但是，我们会长久端详着画面，不忍转移视线。我们首先会被那绝妙的光影效果所折服，层层退晕呈现出丰富的空间以及逼真的质感，无界线的形体转折及色彩变化，比同时代人领先了几个世纪。真正让人惊叹的还不是技巧，那时隐时现的神秘微笑才令人销魂。那笑容太浅淡了，离得再近也看不真切；然而，只要你看到画，无论距离多远，都能感到微笑的存在。微笑不仅体现在翘起的嘴角，而是遍及脸上每一部分肌肤，甚至画面的各个角落，以至观者在欣赏蒙娜丽莎的同时，内心也装满了微笑。面对真迹的感受是别处无法取代的，卢浮宫的《蒙娜丽莎》注定会被永久保存。

《蒙娜丽莎》就这样占据着人们的心灵。几个世纪过去了，蒙娜丽莎几乎成了一项法则，为无数艺术家所遵循。然而在艺术界，有了法则的设立者，就会有颠覆者。20世纪是艺术走向自由与多元的世纪，许多原本神圣的法则都发生了动摇。且看《蒙娜丽莎》近一个世纪的遭遇：先是杜桑用铅笔在她那美丽的脸上画上小胡子和山羊须，并题上L．H．O．O．Q字母；而后摄影师哈尔斯曼将蒙娜丽莎的脸庞换成了达利那怪异的面容：鼓瞪的双目，翘过眉毛的胡子，青筋突起的手中塞满钱币；再是南美画家博特罗将蒙娜丽莎画得肥胖无比，脸部像是充气球几乎占满画面而手却小得几乎看不见。此后衍化风盛行，各式各样的“蒙娜丽莎”纷纷出笼。裁剪了的蒙娜丽莎、肢解了的蒙娜丽莎、污损的蒙娜丽莎甚至烧毁的蒙娜丽莎都成了独立的艺术创造；还有人将蒙娜丽莎置换成动物头像，让人哭笑不得。随着衍化的普及，具有经济头脑的企业家看中了《蒙娜丽莎》的商业价值，于是蒙娜丽莎摇身一变，成了商品推销员。来自世界各地、形形色色的商品经“蒙娜丽莎”之手而身价倍增。蒙娜丽莎或握鼠标，或持饮料，或叼烟卷，或着泳装，或披婚纱，形象千奇百怪。无论人们赞叹其想象独特，还是因其歪曲名画而不齿，广告却因此为人注目，商家借此达到了促销的目的。与此同时，还有不少人喜爱装扮蒙娜丽莎，有的国家还举办“蒙娜丽莎模仿大赛”，获奖的女士总是无比荣幸。正因有了此类活动，某些男士也产生了装扮蒙娜丽莎的念头，有人还真的实践了，男士扮演的“蒙娜丽莎”让人看了实在是忍俊不禁。

这都是近些年的事情。在这个高速运转的、文化快餐统治的世界里，再神圣的经典也摆脱不了被解构的命运。对此我们很难做出评判，也许我们会为设计家天才的创意而赞赏有加，或因玩世者亵渎神圣而愤慨不已；然而，这都是确实的存在，我们除了承认别无他途。几百年来，《蒙娜丽莎》受到太多的赞誉，超出了它自身的承载力；当人们对它的推崇达到了饱和，不再有更新的创意时，歪曲、嘲弄和揶揄就应运而生。而正本清源，又有专门研究和品评《蒙娜丽莎》的文章或专著不断问世，包括各种推断与猜测；就这样，一幅画成了一门学科，许多人愿意耗费毕生的精力。未来的科学研究也许会为我们解答许多关于此画的疑问，然而神秘一旦消失，一切便如同猜破的哑谜般索然乏味。毕竟,《蒙娜丽莎》是一幅画，一幅美丽的肖像，我们带着虔诚，也带着无需解答的疑问去欣赏她，这就够了。

肖邦的玛祖卡基本上有两种类型：一种是具有比较浓郁的民间风格，另一种则属于市民阶层类型的。

肖邦在华沙时期，经常有机会到农村游玩，在那里他总是被那里朴实优美的民间音乐所吸引，特别是民间的玛祖卡，这是肖邦创作玛祖卡的基础。肖邦最早的两首玛祖卡写于1825年，在最早的玛祖卡中，肖邦还未真正把握民间音乐的精神，降B大调的玛祖卡虽然在开始具有比较浓郁的民间气质，但是发展下去，这种气质便消弱了，带有当时流行的城市音乐的色彩。接下来创作的D大调玛祖卡，在整个结构上还都不是很完整，成熟，鲜明突出的民间风格在最早的玛祖卡中还是相当少见的。肖邦创作的玛祖卡，比较成熟的作品是作品第六号第七号，这些作品都是在华沙时期创作的。

1835年出版的肖邦另几首玛祖卡中，即作品第24号，共有四首。第一首（g小调）速度缓慢，有比较浓郁的抒情性质，与这首形成对比的是第二首（C大调），这是直接来自“奥别列克”舞曲的玛祖卡，引子和尾声模仿民间音乐的空五度和音，曲调纯粹是民间风味，在高音曲模仿小提琴手的演奏，乐句总顽强地不断反复。第四首（降b小调）是最长的一首玛祖卡，比较起来，它具有更浓厚的浪漫主义色彩，旋律更为细致，民间风格和肖邦自己的旋律风格紧密地融为一体，在情感内容上比较接近于市民阶级多愁善感的音乐，它具有强烈的乡土气息。

肖邦最后几首玛祖卡是第59号和63号，这些作品与早期的比较起来，无论就其丰富的内容而言，还就起新颖的音乐语言而言，，都不逊色。

肖邦的玛祖卡对后来的音乐家有很大的影响，几乎后来的每一位波兰音乐家都写过玛祖卡，此外，欧洲其他国家的作曲家也一定程度上首到这种音乐题裁的影响。

普遍认为文艺复兴发端于14世纪的意大利（文艺复兴Rinascimento，意为再生或复兴），15世纪后期起,扩展到西欧各国，16世纪达到鼎盛。1550年，瓦萨里在其《艺苑名人传》中，正式使用它作为新文化的名称。此词经法语转写为Renaissance，17世纪后为欧洲各国通用。19世纪，西方史学界进一步把它作为14至16世纪西欧文化的总称。西方史学界曾认为它是古希腊、罗马帝国文化艺术的复兴。

当属达·芬奇了，简直是个全才，物理，数学，绘画艺术达到空前高峰，对世界文明起到了举足轻重的作用。

米开郎奇罗的“大卫”

文艺复兴的艺术特点 文艺复兴的艺术有一个显著的特点：现实与人文。文艺复兴所有的创作大都围绕着这个主题。这包括了人的感观，人的信仰，人的性欲，以及人的世界观。这时期的作品都要求打破封建神权，打破封建的禁欲主义。打破封建制度对人精神甚至是肉体的封锁。这时期有很大部分的作品以宗教为主，许多评论说是借宗教作为盾牌。我反对这种说法，对西方世界稍有认识的人都知道，宗教信仰在西方是占据着他们很大一部分的生活。文艺复兴时期的宗教艺术，归根究底可以说是一种人的宗教艺术，而不是封建制度下教会的宗教艺术。这一点要首先明确。 而文艺复兴时期艺术技法上的特点，主要体现在以写实传真为首务，开创了基于科学理论和实际考察的表现技法，如人体解剖和透视法则等。在风格和技法上更注重色彩的协调和自然，不拘一格。在建筑艺术方面，它以恢复古典建筑传统为首任，同时着重探讨建筑美感的理性法则。 -文艺复兴的核心思想是什么？ 人文主义

文艺复兴是14世纪至16世纪欧洲文化和思想发展的一个历史时期,是欧洲历史上一次重大的新文化运动,是人类历史上一个百花齐放、硕果累累、群星争艳、人才济济的光辉时代。文艺复兴的核心思想（指导思想）是人文主义,其核心是《人乃万物之本》,主张以个人作为衡量一切事物的尺度。 人文主义

文艺复兴是14世纪至16世纪欧洲文化和思想发展的一个历史时期,是欧洲历史上一次重大的新文化运动,是人类历史上一个百花齐放、硕果累累、群星争艳、人才济济的光辉时代。文艺复兴的核心思想（指导思想）是人文主义,其核心是《人乃万物之本》,主张以个人作为衡量一切事物的尺度。 人文主义

文艺复兴是14世纪至16世纪欧洲文化和思想发展的一个历史时期,是欧洲历史上一次重大的新文化运动,是人类历史上一个百花齐放、硕果累累、群星争艳、人才济济的光辉时代。文艺复兴的核心思想（指导思想）是人文主义,其核心是《人乃万物之本》,主张以个人作为衡量一切事物的尺度。 人文主义

文艺复兴是14世纪至16世纪欧洲文化和思想发展的一个历史时期,是欧洲历史上一次重大的新文化运动,是人类历史上一个百花齐放、硕果累累、群星争艳、人才济济的光辉时代。文艺复兴的核心思想（指导思想）是人文主义,其核心是《人乃万物之本》,主张以个人作为衡量一切事物的尺度。 人文主义

文艺复兴是14世纪至16世纪欧洲文化和思想发展的一个历史时期,是欧洲历史上一次重大的新文化运动,是人类历史上一个百花齐放、硕果累累、群星争艳、人才济济的光辉时代。文艺复兴的核心思想（指导思想）是人文主义,其核心是《人乃万物之本》,主张以个人作为衡量一切事物的尺度。 文艺复兴的核心思想是什么？
人文主义文艺复兴是14世纪至16世纪欧洲文化和思想发展的一个历史时期,是欧洲历史上一次重大的新文化运动,是人类历史上一个百花齐放、硕果累累、群星争艳、人才济济的光辉时代。文艺复兴的核心思想（指导思想）... 文艺复兴和人文主义

这场１４～１７世纪上半期文化运动的得名，是因为１６世纪５０年代的人文主义者认为这次运动是继希腊、罗马之后欧洲文化史上的第二个高峰，史学家们认为它是古代文化的复兴，所以称它为“文艺复兴”。

关于文艺复兴的起源，史学界基本倾向于“文艺复兴多重起源说”，也就是说，文艺复兴是在政治、经济和文化等多方面因素交互作用下产生的。

从经济因素考虑，１４～１６世纪，西欧各国封建社会内部先后产生了资本主义生产关系，新的资本主义要求为自己的发展扫清道路，正在形成的资产阶级为了取得政治上的合法地位，首先向教会神学统治和封建意识形态发起了冲击，文艺复兴是在资本主义生产关系和人文主义倡导下产生的。文艺复兴最早滥觞于意大利的佛罗伦萨，佛罗伦萨工场手工业发达，商业贸易规模大，为了发展资本主义经济，新文化的发展必然要冲破教会的桎梏和摆脱经院哲学的世界观，于是新兴资产阶级就从文化的各个方面向封建制度和教会展开了斗争。
从政治因素考虑，意大利之所以成为文艺复兴的摇篮，和某些城市政权的支持是分不开的。意大利美第奇家族当政时期是佛罗伦萨的黄金时代，其中罗伦佐·美第奇不但是“文学家的保护人”，他本身也是一位杰出的学者，对建筑、音乐、诗歌都十分爱好，他统治期间，佛罗伦萨的文化达到最高峰。有些统治者出于统治的需要，重用人文主义者，到１５世纪中叶，人文主义者已大量充斥于各地的政府机构中，对推动文艺复兴运动无疑起了积极作用。

从文化因素考虑，若干世纪以来，这里一直是古罗马文化的中心；由于地理位置和历史条件，使意大利在对古希腊文化吸收方面在西欧各国独占鳌头，从古代继承下来的文明还继续居于领导地位；它们有丰富的古典藏书和完备的图书馆系统，独步全欧的经济发展产生了一系列文化效应——文化的世俗化和非闭锁型倾向、注重文化教育投资的城市观念、物质归向于文化型的市民消费特征等，都成为意大利文艺复兴起源的原因。

文艺复兴时期主要的社会思潮为人文主义。
所谓人文主义，从原意讲，是从拉丁文“ｈｕｍａｎｕｓ”深化而来的，又译成“人道主义”。文艺复兴时代的人文主义起源于１４世纪意大利人文主义者彼特拉克。人文主义的思想核心是“人乃万物之本”，主张以人作为衡量一切事物的尺度。人文主义者重视人的价值，提倡个性与人权，主张个性自由，反对天主教的神权；主张享乐主义，反对禁欲主义；提倡科学和文化，反对迷信。中世纪基督教神学否定人性，否定现实，认为人生来就有罪。人文主义者认为主宰世界的不是上帝，而是人。天堂不在来世，而在现世。现在，人文主义已泛化成一种强调人的作用、地位的世界观或意识形态。
人文主义自１４世纪在欧洲文艺复兴时期兴起以后，一直是西方思想史发展的一条主线，比如马克斯·韦伯，就是１９世纪末２０世纪初德国人文主义社会学的代表人物之一。韦伯承认西方资本主义一直依赖于技术因素，同时，韦伯也认为某种社会精神气质（ｅｔｈｏｓ）对于资本主义精神的发展，尤其是对于它的起源是至关重要的。而这种社会精神气质，无疑是文艺复兴的产物。
文艺复兴的实质：“文艺复兴”一词的原意是指“希腊、罗马古典文化的再生”。但是，当时西欧各国新兴资产阶级的文化革命运动包括一系列重大的历史事件，其中主要的是：“人文主义”的兴起，艺术风格的更新，空想社会主义的出现，近代自然科学的开始发展，印刷术的应用和科学文化知识的传播等等。这一系列的重大事件，与其说是“古典文化的再生”，不如说是“近代文化的开端”；与其说是“复兴”，不如说是“创新”。“文艺复兴”在人类文明发展史上标志着一个伟大的转折。它是新文化，是当时社会的新政治、新经济要求的反映，是新兴的资产阶级在思想和文化领域里的反封建斗争。简单来说，文艺复兴的实质就是资产阶级的思想解放运动。
文艺复兴的核心思想是人文主义。人文主义起源于14世纪下半叶的意大利，其后遍及西欧整个地区。人文主义者以“人性”反对“神性”，用“人权”反对“神权”。他们提出“我是人，人的一切特性我是无所不有”的口号。他们非常不满教会对精神世界的控制，他们要求以人为中心，而不是以神为中心，他们歌颂人的智慧和力量，赞美人性的完美与崇高，反对宗教的专横统治和封建等级制度，主张个性解放和平等自由，提倡发扬人的个性，要求现世幸福和人间欢乐，提倡科学文化知识。所以，人文主义的理念，其重点是“人”，是“人”的本能的发挥，是“人”追求真、善、美的动力。
文艺复兴的历史作用：恩格斯曾高度评价“文艺复兴”在历史上的进步作用。他写道：“这是一次人类从来没有经历过的最伟大的、进步的变革，是一个需要巨人而且产生了巨人——在思维能力、热情和性格方面，在多才多艺和学识渊博方面的巨人的时代。”【三个巨人指：达芬奇(《蒙娜丽莎》)莎士比亚(《哈姆雷特》）但丁(《神曲》)】
首先，是人的发现。在中世纪，理想的人应该是自卑、消极、无所作为的，人在世界上的意义不足称道。文艺复兴发现了人和人的伟大，肯定了人的价值和创造力，提出人要获得解放，个性应该自由。(1)重视人的价值，要求发挥人的聪明才智及创造性潜力，反对消极的无所作为的人生态度，提倡积极冒险精神。(2)重视现世生活，藐视关于来世或天堂的虚无飘渺的神话，因而追求物质幸福及肉欲上的满足，反对宗教禁欲主义。在文学艺术上要求表达人的感情，反对虚伪和矫揉造作。如：彼特拉克的《歌集》，薄伽丘的《十日谈》。(3)重视科学实验，反对先验论；强调运用人的理智，反对盲从；要求发展个性，反对禁锢人性；在道德观念上要求放纵，反对自我克制；提倡“公民道德”，认为事业成功及发家致富是道德行为。(4)提倡乐观主义的人生态度。这些不可抑制的求知欲和追根究底的探求精神，为创造现世的幸福而奋斗的乐观进取精神，把人们从中世纪基督教神学的桎梏下解放出来，资产阶级正是在这种精神的指引下创造近代资本主义世界的。
其次，文艺复兴打破了宗教神秘主义一统天下的局面，有力地推动和影响了宗教改革运动，并为这个运动提供了重要的助力。文艺复兴提倡重视现世生活，反对权威，在当代人中间唤起了对天主教会及神学的怀疑和反感。文艺复兴中的人文主义者通过文学、艺术等形式讽刺、揭露天主教会的腐败和丑恶。
第三，文艺复兴打破了以神学为核心的经院哲学统一的局面，为以后的思想解放进步扫清了道路，使各种世俗哲学兴起。其中有英国的经验论唯物主义(培根)。它也推动了政治学说的发展，马基雅维利为后来启蒙运动奠定了基础，霍布斯、洛克等一大批思想家，发展起“自然权利”、“社会契约”、“人民主权”以及“三权分立”等理论。
第四，否定了封建特权。在中世纪，封建特权是天经地义，门第观念根深蒂固。文艺复兴则使这些东西在衡量人的天平上丧失了过去的重量。人的高贵被赋予新的内涵。彼特拉克说：“真正的贵族并非天生，而是自为的。”在当时意大利的社会生活中，才干、手段和金钱代替了出身门第，成为任何出身的人爬上社会高层的阶梯。
第五，破除迷信，解放思想。文艺复兴恢复了理性、尊严和思索的价值。虽然文艺复兴在哲学上成就不大，但是它摧毁了僵化死板的经院哲学体系，提倡科学方法和科学实验，提出“知识就是力量”，开创了探索人和现实世界的新风气。人们坚信自己的眼睛和自己的头脑，相信实验和经验才是可靠的知识来源。这种求实态度、思维方式和科学方法为17到19世纪的自然科学的大发展打下了坚实的基础。
第六，文艺复兴时期创造出大量富有魅力的精湛的艺术品及文学杰作，成为人类艺术宝库中无价的瑰宝。中世纪，圣经传说充斥艺坛，窒息了艺术的生命。文艺复兴则不但把圣母变成人间妇女(拉斐尔)，把图像化为对人体的歌颂，而且开始了日常生活和现实人的直接描写。解剖、透视等科学也第一次结合于艺术。西欧近代现实主义艺术从此发端。
这场广泛持久的思想文化运动，在意识形态领域中，冲破了封建专制和宗教神学思想对人的束缚，解放了人的思想，推动了欧洲文化思想领域的繁荣，为欧洲资本主义社会的产生奠定了思想文化基础。 文艺复兴的核心思想（指导思想）是人文主义,其核心是《人乃万物之本》,主张以个人作为衡量一切事物的尺度 文艺复兴的核心思想（指导思想）是人文主义,其核心是《人乃万物之本》,主张以个人作为衡量一切事物的尺度。 人文主义是文艺复兴的核心思想

文艺复兴时期西方主要艺术家的作品及风格
杜乔是西耶纳画派的创始人，他的“庄严圣母”祭坛画显露出更加柔和和立体的特点，“耶稣进入耶路撒冷”和“天使报圣母逝世”出现了建筑物空间透视的变化。对这种风格其决定性影响的人士佛罗伦萨的乔托，他将哥特式雕刻的写实风格和拜占庭绘画的明暗透视法结合起来，迈出了绘画中关键性的一步，他不仅是第一位在绘画中创造出写实风格、发现平面上塑造空间深度表现手法的画家，他还把优美的叙事同中式的观察结合起来，使绘画不再是文字的简单图解，具有了独立的意义，从乔托时代起，艺术家开始在自己的作品上留下姓名，美术史从此成为一部杰出艺术家的历史。他的绘画成就主要表现在一系列杰出的壁画和木版画中，“哀悼基督”“圣母登宝座图”都很著名，另外还有“逃亡埃及”、“犹大之吻”等等。1早期文艺复兴乔托确立的写实主义的绘画原则在15世纪的佛罗伦萨得到继承和发展，艺术家认为自己的主要任务是让有艺术同科学研究结合起来，研究人体的结剖结构，研究科学的透视法和明暗法，探讨各种造型艺术的技法理论，成为15世纪的艺术风尚。15世纪佛罗伦萨出现了三位艺术大师，被誉为“小三杰”，他们是建筑家布鲁涅列斯奇，雕塑家多纳太罗和画家马萨乔，他们的出现标志着早期文艺复兴的开始，布鲁涅列斯奇是文艺复兴时期建筑的创始人，他设计的建造的佛罗伦萨大教堂穹顶取得巨大成功，穹顶采用块面的矢状形，采用减轻重量的骨架券结构，这种全新的古代建筑与哥特式结构的结合，成为文艺复兴的心建筑的样式，他在透视和数学方面也有卓越的建树，发现了透视法。解决了平面上的透视问题。多纳太罗努力摆脱中世纪雕刻的种种藩篱，从古代艺术中吸取营养，常使各种雕刻形式表现现实生活，创造了不再附属于建筑的独立性雕塑，骑马纪念碑以及复杂的祭坛、铜门、陵墓等多种雕塑形式。著名作品“西律王德宴会”“少年大卫像”。马萨乔继承了乔托的绘画传统并加以发展，以科学的探究精神将透视、解剖、明暗等知识运用于自己的绘画创作中，最负盛名的作品包括“纳税钱”、“逐出乐园”等。弗朗西斯卡对处理绘画的空间关系有独到之处，代表作是“君士坦丁之梦”。修士画家安及利科著名的作品是“受胎告知”，菲利普李比绘画风格优美雅致，对15世纪下半叶最伟大的画家波提切利有较大影响，波提切利在形象塑造上追求优雅的平面感和哥特式艺术的修长，强调线条的优美，他创造的艺术形象与诗更接近，带有宗教的庄严感和淡淡的忧伤，在作品题材上，他从但丁和卜迦丘的巨著和古代神话中吸取灵感，让绘画题材从宗教故事中解脱出来，使艺术获得了更多的自由。代表作是“春”和“维纳斯的诞生”。2盛期文艺复兴盛期文艺复兴美术的三位主要代表是达·芬奇、 米开朗琪罗和拉斐尔。达芬奇是画家、雕塑家、建筑家、数学家、医学家、制图师、工程家和科学家。他用晕涂法使物体轮廓线、画面调子更加柔和且富于光线大气和立体的效果，而明暗法则使得描绘对象仿佛具有真切的错觉效果。在著名的“蒙娜·丽莎”或“圣母、圣婴和圣安妮”等作品中，人们可以感受到这些技法的应用和妙处。他在米兰阶段最重要的作品是“岩下的圣母”，这幅画里，达芬奇第一次成功地探讨了人与自然的融合。“最后的晚餐”第一次让所有的人全部面对观者的方向，充分的表现了复杂的人性及其因人而异的差别，将人的内心世界解释得细致入微。“蒙娜·丽莎”画家运用明暗法和“薄雾法”，使画面有许多独到之处，形体结实有立体感头和手的造型优美，解剖结构准确，刻画细致入微，背景处理奇特而神秘。米开朗琪罗也具有多方面的才华，在雕刻、绘画、建筑等方面都显示出旷世的才情。如果说达芬奇的绘画相对注重柔和气氛地塑造，那么，米开朗琪罗则追求浩瀚宏伟的气势，，他花了四年心血完成西斯廷礼拜堂的天顶画，其中的人体造型结实浑厚，常呈现出强烈扭曲的特点，造成戏剧性的力感和动感。天顶画长40米，宽14米，距离地面二十多米，天顶的中间部分由“创世纪”中的九个场景组成，共画了343个人物形象，是西方史上最复杂和宏伟的作品。他早期作品的典范之作是巨型雕像“大卫”。塑像高四米多，是当时最大的不需要支撑的大理石雕塑，在形象塑造方面，摆脱了传统意义上的少年英雄形象，使其成为了一个巨人，一个无畏的、向神一样的角力者，集中了所有的男性美、体现了古典美和英雄气概。比较著名的还有“摩西像”，“奴隶像”。湿壁画“最后的审判”是教皇委托的作品，巨大的尺幅让人产生对红大效果的强烈感受，画中的基督充满力量感，每个人物都有独特的地位，都有各自的背景映衬，他的艺术风格从早年的追求古典美和力量美，变为表现沉郁悲壮和雄浑气魄的艺术风格，被称为艺术的楷模。拉菲尔在有限的生命中奉献了惊人数量的杰作，它擅长综合各家的长处，却又从不失去自己的独创风格，拉菲尔的作品中充满了和谐安详优雅的气质，他创造出盛期文艺复兴典雅、优美、具有高度艺术技巧的艺术典型，这是现实美与理想美的统一，被后世誉为古典艺术的楷模。著名作品有“大公圣母”、“雅典学院”，他最出色的圣母画“西斯廷圣母”，取材于希腊神话的壁画“加拉蒂亚”等。意大利半岛东北部的威尼斯在油画上的成就令世人瞩目，提高了色彩的丰富程度，多层的肌理效果增添了特殊的美感，同时，更好地体现了光的微妙变化。3. 15世纪后半期到16世纪的文艺复兴晚期威尼斯画派的重要画家包括了贝利尼、乔尔乔尼、提香、委罗内塞和丁托列托等。贝利尼注重自然景色的描绘和作品抒情意味的表达，作品有“哀悼基督”、“圣母子”、“湖中圣母”、“神的欢宴”等，他的作品的抒情风格奠定了威尼斯画派的基调。乔尔乔尼绘画造型优美，有绚丽的色彩，柔和的明暗关系，人物和风景自然交融，开创了风景人物绘画的新格局，威尼斯画派中最具抒情风格的画家。作品有“入睡的维纳斯”、“三哲人”、“暴风雨”、“田园合奏”等。提香是威尼斯画派最伟大的画家，也是文艺复兴时期在色彩方面最有成就的大师，他的作品形式多样，题材广泛，构图多变化，洋溢着生命的活力。他擅用漂亮的色彩和笔触表现丰富多彩的人生，以及人们欢乐的情趣和女人体的魅力。他早期的作品有“天上的爱和人间的爱”、“茨冈圣母”、“花神”等，这一时期的作品风格有优美抒情和牧歌式的情调。“酒神的狂欢”等作品表现手法较细腻，以神话和宗教内容为主表现得却是世俗生活的情趣，充满人生的欢乐和富足。他的肖像画也相当出色，比如“教皇保罗三世同其侄子像”，晚期作品主要有“丹娜依”、“忏悔的马格林达”等，作品手法粗犷、凝重、笔触明显，内容也缺少早期作品的欢快和抒情。在美术史上，晚期文艺复兴又被称为“样式主义”，这是盛期文艺复兴到17世纪巴洛克风格产生之前的一个过渡时期。意大利的样式主义艺术家有：把巴米基安尼诺画风纤细优美，画了些古怪变形的画，写实的主观的色彩相当浓厚，比如“长颈圣母”、“镜里的自画像”》等，他还是丢勒之后最早做蚀刻版画的画家。布兰金诺的肖像画追求艳丽、华贵的小火。他以熟练的油画技巧展现出富丽堂皇、珠光宝气的奢侈场面，他的样式主义绘画作品有“寓意”、“埃诺拉与儿子”等。
二文艺复兴时期的尼德兰艺术家作品及风格尼德兰没有意大利的古典遗产，也缺少意大利式的科学哲学运动，它的艺术主要受哥特式和中世纪拜占庭细密画的影响，注重细节的描绘。这儿的宗教思想和旧习俗还相当浓厚，民间谚语和传说也同时影响着艺术，尼德兰人本着人文主义思潮，直接关注世态人情，将日常生活融入绘画之中，他们的绘画手法细腻、透视独特、色彩明快、有着丰富而神秘的寓意。14世纪末-15世纪初出现了几位忠于自然、致力写实风格的艺术家，有雕刻家克劳斯·斯留特尔，著名作品是一个十字架的基座，被称为“摩西井”，另外几位是画家林保尔三兄弟，15世纪尼德兰文艺复兴时期的真正奠基者，是一位被称为佛莱蒙大师的人，可能叫罗伯·康宾，代表作是“麦洛德祭坛画”，15世纪最具革新精神、能与意大利的马萨乔相提并论的大画家是杨·凡·艾克被称为油画的发明者，他同他的兄长胡伯特·凡·埃克共同完成了很多作品，最著名的是为根特市教堂画的“根特祭坛画”。他在自己的作品中表现出对现实生活的关注，开始在明暗、透视和油画技巧上进行大胆探索改进、他在肖像画、风俗画和风景画方面都有较大的贡献。他们耐心的描绘对象的一个有一个西部，一直画到整个画面像镜子一样反映出自然对象为止，以取得真实感，凡·埃克还作有“教堂中的圣母”、“凡德尔巴利的圣母子”、“玛格丽特肖像”，他最有成就的肖像画是“阿尔诺芬尼夫妇像”。15世纪末至16世纪初尼德兰处在西班牙封建统治下，著名画家有西罗尼姆斯·包西，他的画风平整细腻，以现实生活为依据，融进艺术家本人的幻想，用各种怪诞的形象和奇特的画面来映射教会和但是的社会。他的绘画中我们可以看到各种妖魔鬼怪，荒诞离奇的组合，灾难四起的恐怖景象以及人类的种种罪恶。他的作品反应了当时的社会生活和矛盾，同时也是作者个人情感的流露，表现了人的情欲被压抑后的宣泄。他有高度的造型能力，他的作品反应出尼德兰画家对细节的偏爱，对风景描写的重视。他的代表作有“人间乐园”、“圣安东尼的诱惑”、“愚人船”、“甘草车”等。 三文艺复兴时期的德国艺术家作品及风格德国文艺复兴时期的艺术受到意大利和尼德兰艺术的影响，同时也保持了德国日耳曼民族的特点，有较强的宗教感，重理性，善思考，注重细节的刻画，较强调个性的表现等。活版印刷术的发明促进了文化艺术的普及和发展。德国文艺复兴繁荣时期非常短暂，但艺术取得了惊人的成就，他们创作的版画、油画以及用线造型的素描作品影响甚广。16世纪最为伟大的画家是阿尔弗雷德·丢勒他既是一位油画家、也是一位版画家，还是一位建筑师，对水彩画也相当在行，其作品中反映出鲜明的人文主义的思想。他将科学的绘画手段引入德国，精通各种绘画技艺，又不乏作为艺术家所不可缺少的丰富想象力，他的艺术兼有尼德兰细腻、精致和个性的特点，以及南欧艺术的优美、理想化和科学性。他是第一位努力将这两种艺术融合为一体的艺术家。他对人体既有细腻准确的解剖分析，又能运用适当加长和理想化的手法，是人体显得更完美和谐。在“亚当和夏娃”中，我们可以看到她描绘的人体所具有的这些特色。丢勒的重要作品有作于1514年的三幅铜版画“忧郁”、“书斋中的圣哲罗姆”、“骑士、死亡和魔鬼”、木版画“启示录四骑士”，油画“四使徒”，“三博士的礼拜”、“自画像”等。16世纪德国最后一位著名的画家是小汉斯·荷尔拜因他的肖像画风格细腻，注重性格和细节刻画，观察深入，毫无戏剧性的渲染。他的素描简练，善于线条的运用和处理。主要作品有油画“伊拉斯莫肖像”、“英王亨利肖像”、“乔治吉茨像”、“迈耶的圣母子”木刻画“死的舞蹈”等。
四文艺复兴时期的法国艺术家作品及风格法国艺术将哥特式艺术、意大利艺术和尼德兰艺术三者融为一炉，产生出法国自己的杰作。法国文艺复兴最主要的成就表现在建筑和雕刻方面，绘画方面虽有一些成就，但较建筑和雕刻略逊一筹。卢浮宫是法国历史上最悠久的王宫，整个建筑庄重、整齐、严谨，被称为理性美的代表作。16世纪法国杰出的雕刻家和建筑师古戎雕刻作品以线条流畅和风格典雅著称，他的作品有浮雕“圣洁喷泉”、 “四位传布福音者”、浅浮雕“哀悼基督”、卢浮宫的“女像柱”、“带鹿的狄安娜”等。皮隆是法国16世纪下半页最伟大的雕刻家。他将古代雕刻、意大利艺术和哥特式传统融为一体，创造了自己独特的风格。皮隆的才华主要体现在大型陵墓雕刻方面，他曾为亨利二世和弗朗索瓦一世陵墓做过许多装饰雕刻。“亨利二世陵墓雕刻”、“彼拉格之妻幕雕刻”、“基督下十字架”浮雕均为其代表作。15世纪法国最著名的画家是让富盖他以肖像画和圣书插图闻名于世，他的著名作品是“查理七世肖像”、“德于格尔森像”、“圣母子”等。16世纪法国请来了意大利画家罗索和普里马蒂乔，领导装饰枫丹白露宫，从事这一工作的画家被称为枫丹白露画派。这派艺术家受到意大利样式主义的影响，其艺术风格趋于甜美娇柔，较有名的绘画作品有“梳妆中的维纳斯”、“埃斯特雷姐妹”、“猎神狄安娜”等。

个性 人性化~ 文艺复兴主要是打破宗教色彩 恢复人性的一场运动~ 建筑上讲究浑厚 静态 和谐~

因为复兴的是古希腊、罗马文化 所以古希腊罗马的艺术风格代表有拉斐尔、达芬奇、米开朗基罗复兴的中心思想是“人”特点也是围绕这一点

有深度、有广度我可以介绍你去看一看外国美术简史，楼上的那点答案不值得一提。

　　文艺复兴的历史作用：恩格斯曾高度评价“文艺复兴”在历史上的进步作用。他写道：“这是一次人类从来没有经历过的最伟大的、进步的变革，是一个需要巨人而且产生了巨人——在思维能力、热情和性格方面，在多才多艺和学识渊博方面的巨人的时代。”【巨人指文艺复兴三巨人：达芬奇、莎士比亚、 但丁】　　首先，是人的发现。在中世纪，理想的人应该是自卑、消极、无所作为的，人在世界上的意义不足称道。文艺复兴发现了人和人的伟大，肯定了人的价值和创造力，提出人要获得解放，个性应该自由。(1)重视人的价值，要求发挥人的聪明才智及创造性潜力，反对消极的无所作为的人生态度，提倡积极冒险精神。(2)重视现世生活，藐视关于来世或天堂的虚无飘渺的神话，因而追求物质幸福及肉欲上的满足，反对宗教禁欲主义。在文学艺术上要求表达人的感情，反对虚伪和矫揉造作。如：彼特拉克的《歌集》，薄伽丘的《十日谈》。(3)重视科学实验，反对先验论；强调运用人的理智，反对盲从；要求发展个性，反对禁锢人性；在道德观念上要求放纵，反对自我克制；提倡“公民道德”，认为事业成功及发家致富是道德行为。(4)提倡乐观主义的人生态度。这些不可抑制的求知欲和追根究底的探求精神，为创造现世的幸福而奋斗的乐观进取精神，把人们从中世纪基督教神学的桎梏下解放出来，资产阶级正是在这种精神的指引下创造近代资本主义世界的。　　其次，文艺复兴打破了宗教神秘主义一统天下的局面，有力地推动和影响了宗教改革运动，并为这个运动提供了重要的助力。文艺复兴提倡重视现世生活，反对权威，在当代人中间唤起了对天主教会及神学的怀疑和反感。文艺复兴中的人文主义者通过文学、艺术等形式讽刺、揭露天主教会的腐败和丑恶。　　第三，文艺复兴打破了以神学为核心的经院哲学统一的局面，为以后的思想解放进步扫清了道路，使各种世俗哲学兴起。其中有英国的经验论唯物主义(培根)。它也推动了政治学说的发展，马基雅维利为后来启蒙运动奠定了基础，霍布斯、洛克等一大批思想家，发展起“自然权利”、 “社会契约”、“人民主权”以及“三权分立”等理论。　　第四，否定了封建特权。在中世纪，封建特权是天经地义，门第观念根深蒂固。文艺复兴则使这些东西在衡量人的天平上丧失了过去的重量。人的高贵被赋予新的内涵。彼特拉克说：“真正的贵族并非天生，而是自为的。”在当时意大利的社会生活中，才干、手段和金钱代替了出身门第，成为任何出身的人爬上社会高层的阶梯。　　第五，破除迷信，解放思想。文艺复兴恢复了理性、尊严和思索的价值。虽然文艺复兴在哲学上成就不大，但是它摧毁了僵化死板的经院哲学体系，提倡科学方法和科学实验，提出“知识就是力量”，开创了探索人和现实世界的新风气。人们坚信自己的眼睛和自己的头脑，相信实验和经验才是可靠的知识来源。这种求实态度、思维方式和科学方法为17到19世纪的自然科学的大发展打下了坚实的基础。　　第六，文艺复兴时期创造出大量富有魅力的精湛的艺术品及文学杰作，成为人类艺术宝库中无价的瑰宝。中世纪，圣经传说充斥艺坛，窒息了艺术的生命。文艺复兴则不但把圣母变成人间妇女(拉斐尔)，把图像化为对人体的歌颂，而且开始了日常生活和现实人的直接描写。解剖、透视等科学也第一次结合于艺术。西欧近代现实主义艺术从此发端。　　这场广泛持久的思想文化运动，在意识形态领域中，冲破了封建专制和宗教神学思想对人的束缚，解放了人的思想，推动了欧洲文化思想领域的繁荣，为欧洲资本主义社会的产生奠定了思想文化基础。

是欧洲历史上第一次思想解放运动，为后来启蒙思想的出现打下了基础，为资本主义的胜利和发展开辟了道路

适应了资本主义发展的需要，极大的解放了人们的思想，推动了近代自然科学的产生和发展。

思想解放